The Ludocrats, de Gillen, Rossignol, Stokely y Bonvillain

Un nicho muy importante en el surtido de géneros y temas del cómic actual es el del humor, y aunque sus formas más comunes son la sátira y la parodia, ambas bastante respetables y las cuales también disfruto, debo reconocer que algunos de los títulos que más aprecio son aquellos que se comprometen de lleno con la locura o ridiculez de sus historias.

Y The Ludocrats es uno de los más claros ejemplos de lo divertido que puede ser lanzarse de lleno a la aventura y la diversión y olvidarse de toda clase de límites. Coescrita por Kieron Gillen (Once and Future, The Wicked + The Divine, Peter Canon Thunderbolt) y Jim Rossignol y dibujada por Jeff Stokely (The Spire) con color de Tamra Bonvillain y rotulado de Clayton Cowles, esta divertida miniserie nos lleva a un mundo que recuerda la fantástica y exagerada opulencia de Dune o Los Metabarones, pero pasada por un filtro estilo Looney Tunes, cuyo resultado raya en un surrealismo digno de Monty Python, Here Comes the Rump (Ahí viene Cascarrabias), Alice in Wonderland o Adventure Time.

Wynd, de James Tynion IV y Michael Dialynas

En los últimos años los cómics han evolucionado en el sentido de que publicar historias ajenas a los superhéroes ya no representa un riesgo para las editoriales, y como resultado se ha dado un crecimiento en la popularidad del horror, la ciencia ficción y, sobre todo, la fantasía. Además, por fin parece que todo mundo se dio cuenta de la importancia y potencial de ofrecer material apto para niños, y hay gran cantidad de editoriales y sellos especializados y tenemos series que hace 20 años no habrían tenido lugar en la industria estadounidense del cómic. Y Wynd, de James Tynion IV y Michael Dialynas, es un perfecto ejemplo.

Wynd, el protagonista de esta historia, parece un muchacho normal, pero tiene un secreto mágico. Vive en Pipetown, una importante ciudad del fantástico mundo de Esseriel, donde trabaja como ayudante en la cocina de una popular taberna/cafetería local, fuera de la vista de los comensales. Su principal pasatiempo es subir a la azotea para espiar a la distancia a Thorn, el hijo del jardinero de palacio, de quien parece estar enamorado. La razón por la que evita pasar mucho tiempo entre el resto de los habitantes de Pipetown son sus puntiagudas orejas, que apuntan a un origen mágico que en este mundo no es algo bien visto.

Batman: Book of the Dead, de Moench y Kitson

El desaparecido sello Elseworlds de DC Comics era una oportunidad para crear historias que dejaban de lado las limitaciones impuestas por la continuidad o el canon oficial de los personajes de esa editorial. Todo estaba permitido, desde ubicar las historias en el pasado, histórico o alternativo, o en cualquier clase de futuro teórico, alterar a los personajes y su entorno, o cambiar su situación geográfica, incluso al espacio exterior o a mundos tomados del cine o la literatura, o crear cualquier combinación de todas esas variaciones.

Era una oportunidad para que los autores dieran rienda suelta a su imaginación y se divirtieran creando historias que de otro modo serían impensables. Y bajo esos parámetros, Batman: Book of the Dead, de Doug Moench y Barry Kitson, es uno de los mejores ejemplos de cómo era posible hallar nuevas formas de explorar personajes cuya historia no parece dejar espacio para hacer algo diferente con ellos. Aquí, un olvidado dios egipcio, una civilización extraterrestre, una cámara secreta bajo las pirámides y un misterio que podría salvar a la humanidad son los principales ingredientes de la historia.

Dracula, Motherfu**ker, por de Campi y Henderson

Dracula es un personaje tan establecido en la cultura pop que no es difícil hacer toda clase de variaciones del personaje sin necesidad de ahondar en explicaciones sobre lo que es un vampiro o cómo se desenvuelve en el mundo, y no es raro verlo en historias de gran variedad de ambientaciones y tonos, incluso en sátiras y parodias. Pero de vez en cuando aparece una versión capaz de poner de cabeza su mitología y revivir el interés en el personaje con una interpretación que resulta diferente a todo lo que hayamos visto antes, y justo ése es el caso de Dracula Motherf**ker!, una novela gráfica de Alex de Campi y Erica Henderson publicada hace unas semanas por Image Comics.

La historia parte con una escena ambientada en Viena, Austria a finales del siglo XIX. Las novias de Dracula, un trío de atractivas mujeres a quienes Dracula convirtió, están hartas de los abusos de su amo y oscuro progenitor y lo clavan al fondo de su ataud a fin de recuperar su independencia y con la esperanza de no tener que volver a verlo jamás. Pero nada es para siempre, y eso se hace evidente algunas décadas más tarde.

Beasts of Burden, de Evan Dorkin y Jill Thompson

Si hablamos de tópicos comunes en las historias de horror, las casas embrujadas son uno de los primeros temas que nos vienen a la mente, y aunque no es fácil hallar nuevas e interesantes formas de contar historias de ese tipo, nunca faltan autores que encuentran el modo de dar la vuelta a esa desgastada idea para crear algo novedoso.

Por ejemplo, ¿cuántas historias de casas embrujadas conocen donde la casa en cuestión sea la de un perro? Pues ésa es justo la premisa que llevó al nacimiento de la premiada y aclamada Beasts of Burden, creación de Evan Dorkin y Jill Thompson.

Los protagonistas de Beasts of Burden son un grupo de perros que viven en el apacible pueblo de Burden Hill y, acompañados por un gato, se ven envueltos en toda clase de aventuras que tienen que ver con lo sobrenatural. En la primera de ellas los vemos pidiendo la ayuda de un perro más viejo y sabio para averiguar a que se deben los extraños ruidos que se escuchan por las noches en casa de uno de ellos, que lo mantienen en vela e incomodan a sus humanos, lo que los lleva a descubrir una tumba no marcada debajo de la casa en cuestión.

Moonshine, de Brian Azzarello y Eduardo Risso

Una característica que ayuda a que el género de horror sea tan popular entre gente de distintos gustos y edades, es la facilidad con que puede combinarse con otros géneros y subgéneros narrativos, resultando en historias de gran variedad de tonos.

En el caso de Brian Azzarello, se trata de un escritor famoso por su trabajo para Marvel y DC, pero me queda claro que su obra más apreciada y valorada es la que ha realizado en historias de crimen, género al que en Moonshine, serie cocreada con su colaborador frecuente, el argentino Eduardo Risso y publicada por Image Comics desde 2017, agregó elementos de horror sobrenatural.

La historia transcurre en los años 1920, durante la llamada era de la prohibición, periodo en que en Estados Unidos estaba prohibida la venta y distribución de bebidas alcohólicas. Lou Pirlo es un "torpedo", un matón al servicio de una importante familia criminal de Nueva York, quien es enviado a la zona rural de Virginia, en las colinas cercanas a los Apalaches, para buscar un trato con Hiram Holt, el mejor fabricante de moonshine (licor de maíz) de la región.

Afterlife with Archie, de Aguirre-Sacasa y Francavilla

Imagino que la gran mayoría de lectores de cómics en uno u otro momento de nuestras vidas hemos leído un cómic de Archie. Las dulces, anticuadas y predecibles aventuras del atolondrado pero bienintencionado pelirrojo, vértice principal del triángulo amoroso más famoso del medio son familiares para todo mundo, incluso si es sólo por referencias, y tal vez esa sea la razón por la que la aparición de Afterlife with Archie en 2013 causó tanto revuelo.

¿Una historia de horror protagonizada por Archie Andrews y sus amigos?

Parecía algo impensable, pero el resultado es increíblemente bueno. Sólo piénsenlo un poco en las características que ofrece como escenario: Riverdale es un tranquilo y apacible pueblo en el corazón de los Estados Unidos, lleno de personajes inocentes.

Tiene una preparatoria en la que los alumnos (bien sabemos que los adolescentes son protagonistas ideales para muchas historias del género) viven la clase de dramas sentimentales que en tiempos más inocentes eran lo que se esperaba de los chicos de su edad.

Dark Red, de Tim Seeley y Corin Howell

Hay algo acerca de la ficción de vampiros que hace que resulte fácil volver a ellos una y otra vez, ya sea para buscar el modo de trastocar, modificar o expandir su mitología, o simplemente para revisitar lo que ya conocemos, y un recurso bastante común es hacerlo a través de historias que tocan temas universales o de actualidad.

En el caso de Dark Red, cómic publicado por Aftershock Comics y creación de Tim Seeley (Hack/Slash, Revival, Grayson) y Corin Howell (The Girl in the Bay, Bat-Mite, Ghostbusters) como suele pasar con muchas de las mejores historias de horror, las alegorías al mundo real sirven para dar una profundidad adicional a la obra.

Charles “Chip” Ipswich es uno de los olvidados, hombres y mujeres que viven un día a la vez sin esperanzas de un mejor mañana, los desposeídos que habitan en áreas rurales cercanas a las grandes urbes y que muchas veces dependen de que alguna corporación que invirtió en la zona no se lleve sus plantas a otra parte, donde operarlas sea más barato al explotar a sus trabajadores. Chip vive en Fall's End y trabaja el turno nocturno en la tienda de conveniencia/gasolinera local, pero lo que lo distingue de sus vecinos es que es un vampiro.

Joe Hill's The Cape, de Ciaramella y Howard

El nombre de Joe Hill debe ser familiar para la mayoría de los lectores de cómics, al igual que para los aficionados a la ficción de horror, tanto por su trabajo en prosa como en los cómics, e incluso en TV gracias a la reciente adaptación para Netflix de Locke & Key, cómic realizado en colaboración con el chileno Gabriel Rodríguez. En el peor de los casos, es de sobra conocido que es hijo de Stephen King, aunque al inicio de su carrera ocultó esa información para forjarse un camino en la literatura de horror por méritos propios.

Al paso de los años ha hecho de los cómics un complemento a su carrera como autor de prosa, aunque el título que quiero recomendar en esta ocasión no lo escribió directamente para este medio, sino que se trata de una adaptación de uno de sus cuentos, realizada por el guionista Jason Ciaramella y con arte de Zach Howard y color de Nelson Daniel.

Joe Hill's The Cape es un relato que se publicó originalmente en 2005 como parte de la colección 20th Century Ghosts, edición británica que recogía la mayoría de los cuentos que habían aparecido publicados en revistas y antologías entre 1999 y 2005, además de un puñado de relatos inéditos.

Flinch, antología de horror de Vertigo

El horror es un género que siempre se ha llevado bien con los cómics y con la ficción corta, así que no es sorpresa que a lo largo de los años haya habido varios intentos por presentar historias cortas de horror en formato de cómic. Desde los clásicos títulos de la EC publicados en los años cincuenta hasta las populares revistas en blanco y negro de los años setenta, muchas veces en abierto enfrentamiento a la censura, el horror siempre ha tenido un lugar importante en los cómics.

En los años noventa el género revivió al capturar nuevamente la atención de los lectores, así que no fue ninguna sorpresa que DC Comics anunciara en 1999 la aparición de una antología bajo el sello Vertigo, lo que garantizaba manga ancha para dar a los autores toda la libertad posible a la hora de crear sus historias. Flinch fue una serie que duró dieciséis números, publicados entre 1999 y 2000, cada uno con tres historias de ocho páginas cada una, las cuales cubrían una amplia gama de subgéneros y variedades de horror.

Pulp, de Ed Brubaker y Sean Phillips

Ed Brubaker y Sean Phillips llevan casi veinte años colaborando en cómics, y prácticamente desde el principio se convirtieron en una garantía de calidad. Creadores de obras como Sleeper, Criminal, Incognito, Fatale, The Fade Out y Kill or Be Killed, este año decidieron incursionar en un género que no habían explorado: el western. Bueno, más o menos.

Pulp es una novela gráfica original publicada en agosto de 2020 a través de Image Comics en un tomo de pasta dura de 72 páginas, y en él Brubaker y Phillips cuentan la historia de Max Winters, un escritor de pulps que vive en la ciudad de Nueva York en los años 1930.

Max es conocido por sus historias de pistoleros del viejo oeste pero, a pesar de que los pulps como medio gozaron de gran popularidad durante mucho tiempo, para 1939, cuando sucede esta historia, ya iban a la baja, sustituidos poco a poco en la conciencia colectiva y en el gusto del público por otras formas de entretenimiento popular, como la radio y los cómics.

30 Days of Night, de Niles y Templesmith

Los vampiros han sido parte importante de la cultura pop durante décadas, y su popularidad suele pasar por altibajos muy marcados. Por lo regular lo único que se necesita es que alguien tenga una idea fresca u original, o encuentre una forma diferente de contar sus historias para provocar que se vuelvan a poner de moda. Y algo así fue lo que pasó en 2002 cuando Steve Niles y Ben Templesmith lanzaron 30 Days of Night.

La premisa es bastante simple, y en buena medida a eso se debe su éxito, pues se trata de un concepto tan fácil de entender que con sólo escucharlo uno empieza a imaginar las posibilidades de la historia. Barrow es un pequeño poblado al norte de Alaska que durante el invierno es abandonado por buena parte de su población durante varias semanas, pues llega el punto en que el sol se pone y no vuelve a aparecer en el cielo por aproximadamente un mes, lo que crea el ominoso efecto de una aparente noche que dura 30 días, situación que da título a la historia.

¿Que haría una horda de vampiros al encontrarse en un lugar así?

Ronin, de Frank Miller con Lynn Varley

A pesar de que han pasado varios años desde la última vez que Frank Miller hizo algo en cómics que valga la pena comentar, el veterano artista y escritor atraviesa por un buen momento de popularidad. La reciente adaptación en Netflix de Cursed, una novela juvenil para la que realizó ilustraciones, ayudó en eso, y me parece un buen momento para recordar que alguna vez fue uno de los creadores más innovadores y talentosos en el medio.

Siempre he sido de la idea de que las grandes obras de arte reflejan el entorno en que fueron creadas, y los cómics y novelas gráficas no son la excepción. La década de los ochenta se caracterizó por una tendencia en la ficción a contar historias de tinte oscuro y pesimista, sobre todo cuando se trataba de especular sobre el futuro. Ejemplos de esa tendencia los encontramos en el cine con películas como Blade Runner, Brazil, Escape from New York o Terminator, y en el caso de cómics podemos mencionar V for Vendetta, Grimjack e incluso Batman: The Dark Knight Returns o Watchmen.

Starman, de James Robinson y Tony Harris

Después de ochenta años, la mayoría de la gente parece tener ideas muy claras de lo que es un superhéroe, y todo parte desde el aspecto visual. Cuando uno piensa en superhéroes, lo primero que le viene a la mente son imágenes de capas y coloridos uniformes entallados. Y claro, esa es la imagen que durante décadas fomentaron algunos de los personajes más populares de Marvel y DC Comics, por lo que me parece importante que haya sido justo una de esas editoriales la que abrió la puerta a acabar con esa imagen, al menos temporalmente.

En 1994 DC Comics decidió que la continuidad "reparada" en 1986 con Crisis on Infinite Earths se había deteriorado y necesitaba nuevos ajustes, y orquestaron Zero Hour para corregir los errores acumulados. El resultado fue efímero y en poco más de 25 años desde entonces han hecho más "ajustes", pero como producto directo de los sucesos de Hora Cero, lanzaron un puñado de series nuevas que buscaban revitalizar algunos conceptos. Había un par de ideas interesantes en esos títulos, pero en general no lograron dejar huella, salvo por una serie.

Ronin Island, de Greg Pak y Giannis Milonogiannis

Luego de pasar años forjándose un nombre como escritor en Marvel Comics, en muchas ocasiones al lado de Fred van Lente, Greg Pak, escritor coreano-estadounidense de cómics, empezó a trabajar con bastante éxito en la creación de historias propias, y una de las más recientes es Ronin Island, creada en colaboración con el talentoso y popular artista Giannis Milonogiannis.

La historia tiene lugar en un mundo similar al nuestro pero en el que una misteriosa plaga causó estragos entre la población de los países del este de Asia en algún punto del siglo XIX, diezmando seriamente a la población de toda la región, al grado de que nadie tiene idea de canta gente pudo haber sobrevivido.

Treinta años después de la plaga, un puñado de sobrevivientes originarios de Japón, Corea y China viven en una pequeña y apartada isla, donde a lo largo de los años han hecho su mejor esfuerzo para salir adelante con los pocos recursos que tienen a su disposición, en condiciones en que un esfuerzo colaborativo resulta esencial para sobrevivir.

The Books of Magic, de Gaiman y varios artistas

Inglaterra. Un solitario huérfano de doce años de edad, desaliñado y permanentemente despeinado, está a punto de tener un encuentro cercano con la magia. Este chico con anteojos y una cicatriz en la frente parece estar destinado a tener un gran impacto en el mundo, acompañado por la lechuza que adopta como mascota. Y no, su nombre no es Harry Potter.

El protagonista de The Books of Magic, miniserie de 4 números publicada por DC Comics a partir del otoño de 1990 y hasta inicios del 91, casi siete años antes de que se publicara la primera novela de J.K. Rowling, es Timothy "Tim" Hunter.

De hecho, Warner Brothers, mismo estudio que a finales de esa década llevó al cine las aventuras de Harry Potter, se compró a sí mismo los derechos de la obra e inició los trabajos para realizar una película de Tim Hunter en 1993, pero el proyecto nunca despegó, y ahora hay quienes creen que existe como un intento de colgarse del éxito del maguito de Hogwarts aunque no haya nada más lejos de la verdad.

Friendo, de Alex Paknadel y Martin Simmonds

La ciencia ficción suele tener sus mejores momentos cuando sus historias muestran mundos y situaciones con las que nos podemos identificar, y las usa para extrapolar historias que lidian con temas de potencial interés para la sociedad contemporánea. ¿Qué pasaría si un asistente virtual creado para incitarnos al consumismo se saliera de control?

A grandes rasgos esa idea del uso y abuso de la publicidad personalizada en un mundo hiperconectado es el tema central que se explora en Friendo, una cínica y satírica historia de ciencia ficción creada por Alex Paknadel y Martin Simmonds, la cual fue publicada entre 2018 y 2019 por Vault Comics como una miniserie de cinco números.

Un tomo recopilatorio con la totalidad de la serie apareció en junio de 2019, el cual incluye además una gran cantidad de material extra que muestra parte del proceso creativo detrás de esta historia y ofrece una alternativa que facilita acceder a la historia sin necesidad de cazar los números sueltos.

God Country, de Donny Cates y Geoff Shaw

En el último par de años Donny Cates se ha convertido en uno de los escritores más populares en la industria del cómic estadounidense, sobre todo gracias a su trabajo en Marvel Comics, en particular con Venom y sus personajes asociados, además de en algunos títulos de sus personajes cósmicos.

Pero antes de llegar a la Casa de las Ideas, Cates se había hecho poco a poco de cierto nombre gracias a su trabajo en varias series de su propiedad, publicadas a través de sellos como Image Comics, Heavy Metal y Aftershock Comics. De entre estas publicaciones, una de las más aclamadas es God Country.

Whiteout, de Greg Rucka y Steve Lieber

Con el éxito de The Old Guard a una semana de su estreno en Netflix, el nombre de Greg Rucka anda en boca de muchos fans de cómics, y mientras se especula sobre la posibilidad de una secuela, presumiblemente basada en la segunda miniserie de The Old Guard, recién concluida, y circulan rumores de que está escribiendo una película de espías para Gal Gadot (no quiero atreverme a pensar que pudiera ser algo relacionado con Queen & Country, otro de sus cómics que encuentro excelente), me pareció que era un buen momento para voltear al pasado y echar un nuevo vistazo a su primer cómic, publicado por Oni Press en el cada vez más lejano 1998: Whiteout.

Sentient, de Jeff Lemire y Gabriel Walta

El nivel de calidad que caracteriza desde hace varios años al trabajo del escritor y dibujante Jeff Lemire (Sweet Tooth, Animal Man, Descender, Black Hammer) hace que cada nueva historia que publica, ya sea por su cuenta o en colaboración con alguien más, merezca al menos echarle un vistazo.

Si además hace equipo con un artista tan talentoso como Gabriel Hernández Walta (Magneto, The Vision), como en este caso, y lo hace para contar una historia de ciencia ficción en un formato finito, es un hecho que lo voy a leer. Y en el caso de Sentient, me complace compartir que el resultado estuvo a la altura de mis expectativas.

The Girl in the Bay, de DeMatteis y Howell

John Marc DeMatteis (Spider-Man: Kraven's Last Hunt, Justice League International, Brooklyn Dreams, Moonshadow) es un escritor con una prolífica carrera que abarca ya más de cuarenta años escribiendo para casi todas las editoriales existentes (además de una que otra ya desaparecida) en el cómic estadounidense. Admirado y respetado por su trabajo con los principales personajes tanto de Marvel como de DC Comics, premiado y aclamado por ello y por sus más personales obras de autor, The Girl in the Bay, la más reciente de estas últimas, es un buen ejemplo de hacia donde apuntan muchas de sus sensibilidades narrativas.

1969. Kathy Sartory es una adolescente rebelde e idealista que vive con sus conservadores padres en Brooklyn, Nueva York. 

Una de sus acostumbradas y secretas escapadas nocturnas al lado de sus amigas tiene un siniestro desenlace luego de que, tras sentirse mal en un bar y salir a tomar un poco de aire fresco, es abordada por un joven de nombre Hugh, con quien parece compartir un íntimo momento de identificación y mutua atracción. Pero se trata de una emoción efímera, pues su primer beso es seguido de inmediato por una puñalada de parte de Hugh, quien lanza a Kathy a las frías aguas de la bahía de Sheepshead.

Superman & Batman: Generations, de John Byrne

Genios criminales y mentes maestras. Debilidades secretas y archivillanos. Horribles monstruos y siniestros invasores. Todo eso y más es lo que los superhéroes enfrentan a lo largo de sus carreras, pero de lo que menos se habla es de lo que en realidad podría representar a su más grande enemigo: el tiempo. No importa si su origen fue un accidente científico, un don de una fuerza superior, un derecho de nacimiento o una vida de entrenamiento, todas las historias de superhéroes deben lidiar en algún momento con el paso del tiempo.

Esa es la principal razón detrás de reinicios, relanzamientos y reboots. De no ser por la necesidad de los héroes por mantenerse atemporales, nada de eso sería necesario. Porque eventualmente hay que enfrentar la realidad de que tratar de mantener el status quo de un personaje durante décadas no es tarea fácil, y hay que hacer algo para que cada franquicia se mantenga fresca y actual al paso del tiempo, o se corre el riesgo de que se vuelvan irrelevantes. ¿Que tan distinta sería la historia de nuestros héroes si tuvieran que enfrentar el paso del tiempo del mismo modo que lo hacemos nosotros? ¿Como se explicaría su continua presencia a lo largo de generaciones?

Green Hornet: Year One, de Wagner, Campbell y Francavilla

Un personaje que ha gozado de popularidad intermitente a lo largo de las décadas y no es tan conocido como otros héroes, incluso a pesar de ser un justiciero enmascarado que debutó antes de que Batman o Superman fueran siquiera ideas, es el Avispón Verde. El personaje es casi desconocido para lectores jóvenes, pero por fortuna hay algunas buenas historias que pueden cambiarlo, y ése es el caso de The Green Hornet: Year One.

Como pueden deducir de una historia titulada Año Uno, esta serie de doce números publicados originalmente en 2012 cuenta el origen del personaje en una historia que se mueve en dos tiempos: el presente (que en este caso es en realidad 1938) y un periodo que abarca años anteriores.

En ella se nos explican las raíces de Brett Reid, el hombre que habría de convertirse en el Green Hornet, y Kato, su asistente, chofer y consumado artista marcial, al tiempo que nos presenta una de las primeras aventuras que corrieron tras decidir convertirse en justicieros enmascarados para enfrentar a la mafia.

Money Shot, de Seeley, Beattie y Isaacs

En un futuro cercano, el gobierno no tiene interés en la ciencia y no hay dinero para financiar investigaciones de ninguna clase. Cuando la inventora del Star Shot, un aparato que permite teletransportarse a otros planetas busca una solución, se le ocurre una idea, así que convence a los científicos con quienes trabaja de crear un canal de porno interespecies para obtener fondos. 

Y de eso trata Money Shot, una miniserie publicada en 2019 por Vault Comics que cuenta la historia de un grupo de científicos que deciden tener sexo con especies alienígenas por la gloria de la humanidad... y por dinero.

Daredevil: The Man Without Fear, de Miller y Romita Jr.

Si existe un creativo en cómics cuyo nombre es identificado de inmediato con Daredevil, es Frank Miller. El polémico autor dejó huella en el personaje primero como artista, después como escritor y artista, y por último sólo como escritor a finales de los 1970 y en la primera mitad de los 80. Pero en 1993 volvió para llevarnos de vuelta al principio. Porque eso es lo que hace Daredevil: The Man Without Fear.

Cuenta la leyenda que el guion de este cómic fue escrito con la intención de que sirviera para producir una película del personaje y que sólo cuando después de un tiempo en que nadie estuvo dispuesto a convertirla en realidad fue que Miller decidió adaptarlo como cómic.

En lo personal, creo que el guion de cine no existía, aunque sí una propuesta bastante elaborada con la intención de hacer algo con el personaje en un medio audiovisual. Miller hizo muchos contactos mientras trabajaba en Robocop 2, y a través de ellos trató de hallar a alguien interesado en llevar a Daredevil a la pantalla. No funcionó.

Sabrina the Teenage Witch, de Thompson y Fish

Los personajes de Archie Comics se mantuvieron prácticamente sin cambios durante casi setenta años, pero valientes decisiones editoriales en la última década resultaron en una renovada popularidad que, por fortuna, se dio de la mano de buenas historias. Tras experimentar con gran éxito en el género de horror, la editorial optó por renovar a los personajes, dejando atrás su atemporal entorno para convertirlos en adolescentes contemporáneos, y Sabrina, la bruja adolescente ,no fue la excepción.

Chilling Adventures of Sabrina, la interpretación dentro del género de horror del personaje tuvo tal éxito que incluso inspiró una serie en Netflix, pero por alguna razón la versión más tradicional del personaje no había recibido en los cómics el tratamiento de actualización que tan bien le funcionó a los chicos de Riverdale.

Por fin, el año pasado, apareció Sabrina the Teenage Witch una miniserie (bueno, más o menos) escrita por la talentosa Kelly Thompson (Uncanny X-Men, Hawkeye, West Coast Avengers) y con arte del popular equipo formado por Veronica y Andy Fish (Spider-Woman, Archie) que atendió la deuda pendiente con Sabrina Spellman.

Camelot 3000, de Mike W. Barr y Brian Bolland

Por lo regular comento cómics de aparición más reciente, pero la Comicteca no tiene restricciones de ningún tipo y también da cabida a cómics publicados en el pasado. Y como recordatorio de esta condición atemporal, ¿qué mejor que una historia de una legendaria figura del pasado, pero ambientada en el año 3000?

Camelot 3000 retoma la mítica leyenda del Rey Arturo justo donde terminan la grtan mayoría de los relatos clásicos. Luego de su mortal enfrentamiento con su hijo Modred, Arthur fue llevado a Avalon para descansar, pero está escrito que el monarca volverá cuando Inglaterra más lo necesite.

Ahora es el año 3000, y la Tierra enfrenta una temible invasión extraterrestre que amenaza con arrasar al mundo entero. Junto con el resto del planeta, Inglaterra está en peligro, así que a nadie le vendría mal que las leyendas sobre el mítico caudillo fueran ciertas y la humanidad contase con un campeón defensor.

Laguardia, de Nnedi Okorafor y Tana Ford

En medio de una crisis de valores, los Estados Unidos se disponen a cerrar sus fronteras y regular el ingreso de inmigrantes y de sus propios ciudadanos que hayan tenido contacto constante con estos individuos de fuera. No parece una premisa de ciencia ficción, al menos hasta que nos damos cuenta que los inmigrantes en cuestión provienen, en principio, de otros planetas.

En las páginas de Laguardia conocemos a la doctora Future Nwafor Chukwuebuka nació en los Estados Unidos pero es de ascendencia nigeriana. Tras pasar unos años trabajando en la tierra de sus ancestros, se dispone a regresar a su país antes de que entren en vigor las nuevas restricciones migratorias.

Pero Future no es la misma mujer que se era cuando se fue a África. Está embarazada y salió de Nigeria de forma tan abrupta que ni siquiera le avisó a su pareja, el padre de su bebé, que pensaba hacerlo. Además, la acompaña una planta muy especial, y no puede permitir que las autoridades migratorias la vean.

Spider-Man: Life Story, de Zdarsky y Bagley

En junio de 1962 se publicó Amazing Fantasy #15, y en sus páginas el mundo conoció a Peter Parker, un joven de 15 años que, tras ser mordido por una araña radiactiva, adquirió superpoderes ¡y se convirtió en el asombroso Spider-Man! Pero, ¿qué tal si para él hubieran transcurrido los mismos cincuenta y tanto años que han pasado en el mundo real desde entonces?

Esa es la premisa detrás de Spider-Man: Life Story, historia escrita por Chip Zdarsky que contó con arte de Mark Bagley, cuyo trabajo fue complementado por las tintas de John Dell y Drew Hennessy en números alternos, en tanto que el color fue obra de Frank D'Armata.

La miniserie de seis números extralargos (cada uno tiene más de treinta páginas de historia) fue publicada por Marvel Comics en 2019 antes de lanzar el tomo recopilatorio con la historia completa. Cada número de la miniserie estuvo dedicado a una década y exploró una versión diferente de algunas historias que todos conocemos.

The Last Days of American Crime, de Remender y Tocchini

Los altos índices criminales son un problema de todas las grandes ciudades, y uno que no se va a resolver como por arte de magia. Pero… ¿y si hubiera una forma de evitar que cualquier persona cometa un crimen? ¿Sería ético usar un equivalente a control mental si esto ayudase a impedir robos, homicidios y tráfico de drogas?

Ésa es la pregunta que flota en el aire durante The Last Days of American Crime, cómic de crimen y ciencia ficción creado en 2010 por Rick Remender (Black Science, Low, Seven to Eternity, Deadly Class, Uncanny X-Force), y Greg Tocchini (Low, Thor: Son of Asgard, Ion).

El cómic fue publicado por Radical Comics en 2010 como una miniserie de tres números extragrandes, y en 2017 apareció un tomo recopilatorio publicado por Image Comics. En algún momento llamó la atención de Hollywood, y ahora sirvió como inspiración a la película dirigida por Olivier Megaton que estrena en Netflix este 5 de junio.

The Dead Hand, de Higgins y Mooney

Texto originalmente publicado en Comikaze.net

Durante los últimos años de la Guerra Fría, Carter Carlson fue uno de los agentes norteamericanos más importantes y condecorados, pero una misión de rutina realizada justo después del colapso de la Unión Soviética, donde debía supervisar el estado del viejo arsenal comunista, resultó en un descubrimiento que le cambió la vida y alteró el curso de la historia. Casi treinta años después, Carlson es el comisario de Mountain View, un pequeño y típico pueblo estadounidense en medio de las montañas.

Aunque, pensándolo bien, tal vez no sea tan típico. Nadie abandona nunca el pueblo, no hay visitantes, y sus habitantes tienen protocolos especiales para la aparición de cualquier forastero. Es evidente que el aislado poblado oculta un gran secreto. ¿Mencioné que Carlson no es el único exespía que vive ahí? Éste es el mundo de intriga y secretos que Kyle Higgins (Batman: Gates of Gotham, Nightwing), Stephen Mooney (Grayson, Angel, Spike) y Jordie Bellaire (Vision, Buffy, Redlands) nos presentan en The Dead Hand, una miniserie de seis números publicada por Image Comics en 2018, recopilada en un solo tomo a finales del mismo año bajo el título de The Dead Hand vol 1: Cold War Relics.

El mayor secreto militar de la Unión Soviética hacia el final de la guerra fría era el desarrollo de un sistema autónomo de represalia controlado por una inteligencia artificial, cuya misión era vengar a su nación en caso de que ésta cayera víctima de un ataque nuclear. El problema es que el proyecto tuvo éxito justo mientras su país se desintegraba a su alrededor, y alguien tenía que asegurarse de que nunca cumpliera con la misión para la que fue construido.

¿Qué tiene que ver Mountain View con todo ello? ¿Por qué hay tantos exoficiales de inteligencia viviendo ahí? ¿Y quién es Roger, el misterioso niño que se oculta en la mitad del pueblo? Todas esas interrogantes forman parte del misterio construido por Kyle Higgins en una historia que mezcla lo mejor de los clásicos del género de espionaje con una moderna estructura narrativa que resulta en una lectura envolvente y entretenida.

El título de la serie hace referencia a la función de "switch de hombre muerto" con que los sovieticos equiparon a su sistema de inteligencia artificial, el cual constituye un último recurso, una alternativa que asegure su venganza en caso de perder un eventual enfrentamiento nuclear, pues fue diseñado para activarse a pesar de que no quede una sola mano viva que pueda hacerlo.

No puedo contar mucho de la trama sin estropear la experiencia de lectura, pues los secretos que esconde la serie son revelados como si fuese un campo de minas cuidadosamente planeado, donde cada explosión sucede en el momento en que su impacto será mayor.

El arte de Stephen Mooney resulta ideal para este relato de intriga tecnológica. Su ágil narrativa le permite retratar de forma efectiva tanto secuencias de acción como escenas de la vida cotidiana en un pequeño pueblo americano, y aunque la consistencia en rostros no es lo suyo, tiene un talento especial para mostrar expresiones faciales, y el peculiar diseño de los montajes de flashbacks y escenas retrospectivas es bastante atractivo a la vista, y el resultado es una grata experiencia de lectura.

Por su parte, Bellaire confirma una vez más por qué es una de las mejores coloristas de la actualidad, adaptándose a las necesidades tonales de cada proyecto. Aquí crea un marcado contraste entre las apacibles escenas del pueblo y los frenéticos escenarios de las operaciones militares y de espionaje, pasando de una paleta a otra de una forma tan sutil que nunca se sienten como cambios bruscos.

Por momentos la historia parece abusar de ciertos clichés propios de la ficción de espionaje, pero cada vez que crees entender lo que está ocurriendo y saber el rumbo que tomarán las cosas, te topas con un giro sorpresa que te mantiene a la expectativa durante toda la serie y resulta en una experiencia de lectura increíblemente fresca sin importar cuántos relatos de espionaje hayas visto o leído. Cuando algunos de los adolescentes del pueblo se ven involucrados en el misterio como producto de su natural rebeldía y actitud desafiante hacia sus padres y las figuras de autoridad en general, eso proporciona a la historia variantes inusuales para el género.

El ritmo narrativo se acelera o alenta según lo requiera la historia, pero el inteligente manejo de la intriga logra que uno acepte las situaciones más ridículas o exageradas, y me refiero a cosas que incluso en una película de Bond podrían parecer descabelladas. Por desgracia la serie pasó casi desapercibida en su momento, y más allá de que hubo interés suficiente como para publicar el tomo recopilatorio o que éste diga "volumen 1", es poco probable que algún día veamos otras historias desarrolladas en este mundo, como me confirmó un decepcionado Higgins en su visita de este año a México.

En resumen, The Dead Hand: Cold War Relics es una fascinante lectura que hará las delicias de cualquier fan de las historias de espionaje e intriga militar, y es un cómic sorprendentemente divertido para un tema tan oscuro como el potencial fin del mundo como producto de una imparable escalada militar.

Black Badge, de Kindt y Jenkins

Texto originalmente publicado en Comikaze.net

Los boy scouts o niños exploradores son una de esas organizaciones que tienden a ser ridiculizadas tanto como alguna vez fueron respetadas, y no es fácil entender por qué. ¿Quién más se preocupa porque los niños aprendan habilidades útiles en la vida diaria? Su eslogan es "Siempre preparados", y cuando has ganado todas las insignias, ¿qué más te falta por lograr? ¿Qué tal aprender sobre sabotaje, demoliciones y asesinatos?

Al menos ése es el caso para aquellos que integran las tropas de scouts de élite que forman Black Badge, una rama ultrasecreta del gobierno de los Estados Unidos, la cual recluta a los mejores y más brillantes miembros de entre los scouts de todo el país y los entrena para tomar parte en operaciones encubiertas por todo el mundo.

Pero ¿por qué usar adolescentes para trabajar como espías? Eso nos lo explica dentro de la historia uno de sus oficiales superiores: porque su juventud los vuelve invisibles, nadie espera que unos chicos tengan ese nivel de astucia, y a su edad el cinismo todavía no ha invadido sus corazones.

El guion es obra del aclamado y premiado escritor Matt Kindt (Mind MGMT, Dept. H), en tanto que el dibujo corre por cuenta de su frecuente colaborador Tyler Jenkins (Peter Panzerfaust, Grass Kings), quien una vez más hace equipo en el arte con su esposa y colorista, Hillary Jenkins, en una serie de doce números que fue publicada por BOOM! Studios entre 2018 y 2019.

La historia sigue a una tropa de cuatro scouts formada por Kenny, Cliff, Mitzi y Willy. Éste último es la más reciente adición al equipo luego de que en una misión anterior perdieron a Jimmy, su compañero anterior. Su primera misión los lleva a Corea del Norte con el objetivo de localizar una casa de seguridad y reportar su ubicación, pero poco después descubren que el plan no era rescatar a alguien recluido ahí, como les hicieron creer en un principio.

Antes de que cualquiera de ellos pueda asimilar lo sucedido, deben abordar un tren para trasladarse a Siberia, donde los espera su siguiente misión: liberar a un hombre de una prisión ubicada en medio de la nada. Para hacerlo más difícil, en el camino tienen un incómodo encuentro con su contraparte canadiense.

Sin tiempo para descansar o pensar en lo que hacen, son enviados a Pakistán, donde su misión es ayudar a un espía a cruzar la frontera, pero encuentran evidencia de que Jimmy podría estar vivo y de que los manipulan para realizar misiones distintas a lo que creían...

A lo largo de los años Kindt ha escrito varias historias de espías y agentes secretos, pero el uso de adolescentes como protagonistas añade nuevos elementos a su caja de juguetes, y es claro que se divierte con ellos. Pese a recurrir a clichés propios del género (conspiraciones, intrigas, desconfianza hacia sus superiores), las relaciones entre personajes mantienen la historia fresca y entretenida.

Como el chico nuevo en el equipo, Willy hace todo lo posible por ganarse la confianza de los demás para ser aceptado, y eso lo convierte también en el sustituto del lector dentro de la historia (otro cliché) para ayudarnos a entender poco a poco el extraño mundo de los Black Badges. A través de él y conforme avanza la serie, descubrimos que todos los miembros de su tropa tienen un pasado sombrío y secretos que no comparten con nadie, ni siquiera con sus compañeros y supuestos mejores amigos.

La historia añade además elementos de crítica social y rebeldía adolescente, pues más allá de los tradicionales problemas que implica dejar atrás la infancia de camino a convertirse en adultos, hay ecos de la idea de que el mundo está roto y como los adultos no parecen hacer nada al respecto, toca a los jóvenes asumir las riendas y empezar a trabajar para cambiar las cosas.

El arte de Tyler Jenkins suele dividir opiniones, pues tiene un trazo suelto y un tanto tosco, que resulta en una extraña mezcla de simpleza y suciedad, que más allá de las preferencias estéticas de cada quien le sienta muy bien al tono que Matt Kindt imprime en sus historias. No hay muchos detalles en el dibujo más allá de lo esencial, pero la clara narrativa visual es fundamental para seguir la acción y disfrutar la lectura.

El trabajo de color de Hillary Jenkins es parte esencial del resultado final, pues el uso de acuarelas, inusual en la mayoría de los cómics, resulta en una paleta apagada sin que eso quiera decir que el cómic sea oscuro o le falte vida. Usar un solo color base en las secuencias de flashbacks es otro detalle estético que, además de dar al título una apariencia distintiva, evita confusiones con los saltos en el tiempo narrativo.

BOOM! recopiló la serie en tres tomos de pasta dura entre 2019 y 2020, y aunque el primero de ellos ya está agotado en tiendas y librerías y por tanto no es tan fácil de conseguir, están disponibles a través de varias tiendas en línea.

Es probable que pronto haya una nueva edición, sobre todo si se confirman los rumores, aparentemente confirmados de forma accidental por el propio Kindt, de que pronto podría anunciarse una adaptación a la pantalla, quizás como parte del trato firmado hace unas semanas entre Netflix y BOOM!

En resumen, Black Badge es una entretenida historia de espionaje en la que Matt Kindt encuentra una nueva forma de jugar con el género al tiempo que añade elementos de conciencia social y humor que resultan atractivos incluso para lectores que usualmente prefieren otra clase de historias. Recomendable para gente de casi todas las edades.

Cemetery Beach, de Ellis y Howard

Texto originalmente publicado en Comikaze.net

Warren Ellis es uno de los escritores de cómic más influyentes de los últimos 25 años, y aunque su presencia en el medio se ha vuelto cada vez más esporádica, de vez en cuando regresa para recordarnos quién es y qué es lo que hace. Ahora escribe para otros medios, pero tiene un puñado de cómics inconclusos. Uno de ellos es Trees, una cerebral y compleja pieza de ciencia ficción especulativa donde colabora con el artista Jason Howard y cuyo ritmo semilento le ha ganado tantos admiradores como detractores.

Hace un par de años vendieron los derechos para que sea adaptada como serie de TV, pero sus múltiples compromisos han hecho que las actualizaciones del cómic sean cada vez más irregulares. 

En 2018 ambos autores decidieron tomarse un descanso, y Cemetery Beach representa un ejercicio de distracción por tratarse de una historia de ciencia ficción simple y frenética que es tan diferente a Trees como era posible. Quizás la mejor forma de describirla es como una película de acción, con una trama sencilla en un mundo más insinuado que explorado, pero narrada a un ritmo vertiginoso, lo que sorprendió a muchos, y no siempre para bien.

La historia comienza con Michael Blackburn en una celda. Mike es un marine capturado durante una misión de reconocimiento en una colonia con la que la Tierra perdió todo contacto hace mucho tiempo. Se trata de un mundo descubierto a inicios de los 1920, y colonizado una década más tarde. Mike fue enviado a averiguar si la colonia seguía ahí y, de ser así, recabar información sobre su estado e intenciones, pero lo que encuentra es una civilización fascista y llena de lunáticos.

Una vez que escapa de su celda, Blackburn recluta a un guía, alguien que pueda ayudarlo a regresar al punto de extracción para volver a la Tierra, y la única persona disponible en el lugar es Grace Moody, una chica que afirma ser una peligrosa asesina. Lo que sigue es una larga carrera por sobrevivir mientras ambos fugitivos intentan evadir a las fuerzas que los persiguen a lo largo de los distintos sectores de la colonia.

La acción es espectacular y da gusto ver a Howard desatar su habilidad para diseñar secuencias de acción. Tras las explosiones y secuencias de persecución se insinúa una historia más profunda y compleja, pero lo que más destaca son los diseños de armas y vehículos, que derivan de equipo del siglo pasado y sólo puedo describir como dieselpunk.

Cemetery Beach es un cómic de acción incesante que se anunció como el equivalente en cómic a Mad Max: Fury Road, pero lo único que querían Ellis y Howard era una ruidosa pero disfrutable distracción de Trees, y nunca fue su ambición hacer algo como la magistral película de George Miller, así que el desarrollo de este curioso mundo apenas sugerido sólo puede completarse mentalmente.

En resumen, Cemetery Beach no es la clase de cómic que uno esperaría de Warren Ellis, pero si lo leen conscientes de que no busca nada más que ser el equivalente en cómic a un blockbuster de verano, seguro se divertirán. El tomo recopilatorio apareció en el verano de 2019 y es fácil de conseguir, pero si prefieren una probadita antes de comprarlo, Image Comics ofrece la lectura gratuita del primer número en este enlace. Recomendado, pero con las reservas ya expresadas.

Scene of the Crime, de Brubaker, Lark y Phillips

Texto originalmente publicado en Comikaze.net

Versiones previas aparecieron en Comicverso y La Covacha Mx

A estas alturas todo lector de cómics sabe quién es Ed Brubaker. Para DC Comics trabajó en series como Catwoman (con Darwyn Cooke), Batman o Gotham Central (con Greg Rucka, Steve Lieber y Michael Lark), y en Marvel tuvo un exitoso paso por títulos como Daredevil, Captain America, The Immortal Iron Fist y The Winter Soldier. Su trabajo en Wildstorm es menos conocido, pero incluye las excelentes Point Blank y Sleeper.

En los últimos años Brubaker ha enfocado toda su energía a trabajar en cómics de su propiedad, y podemos mencionar Criminal, Velvet, Fatale, Kill or Be Killed y The Fade Out, creados en colaboración con artistas como Sean Phillips y Steve Epting, que están entre los mejores cómics producidos en los últimos veinte años. Su más reciente lanzamiento, Friday, creado junto a Marcos Martín y distribuido en formato digital a través de Panel Syndicate, pinta para ser otro clásico instantáneo.

Pero si nos remontamos al pasado, hay muchas otras joyas que podemos rescatar de su amplia bibliografía. Por ejemplo, a finales de los noventa, tras haber participado en múltiples antologías para sellos independientes y hacerse de cierto nombre gracias a historias como Lowlife (dibujada por él mismo), An Accidental Death, y The Fall, Brubaker llegó al sello Vertigo, que habría de servirle como puerta de acceso a DC Comics.

Scene of the Crime: A Little Piece of Goodnight marcó además la primera vez que Brubaker colaboró con los artistas Michael Lark, uno de los dibujantes de Gotham Central y de su etapa en Daredevil, y Sean Phillips, su colaborador más frecuente, además de cocreador y copropietario de Criminal, Incognito, Fatale, The Fade Out y Kill or Be Killed, quien se encargó de entintar esta miniserie de cuatro números a partir de la segunda entrega.

El protagonista de la historia es Jack Herriman, un detective privado que, pese a vivir en el presente y ser demasiado joven como para emular a los protagonistas de las novelas de Mickey Spillane, Raymond Chandler o Dashiel Hammett, se ve envuelto en una trama que recuerda a aquellos relatos. Herriman es un personaje complejo y de tendencias autodestructivas, un ex-alcohólico y ex-drogadicto de carácter muy impulsivo.

Como detective, Jack es un profesional que conoce sus limitaciones, por lo que evita involucrarse en peleas siempre que es posible. De hecho, parece no sentirse cómodo con ninguna forma de violencia, pues a diferencia de muchos de los ficticios detectives pasados o presentes, no le gustan las armas de fuego ni nada que tenga que ver con ellas, probablemente como resultado de la relación con su padre, que era policía.

Debido a los frecuentes problemas con su padre, el joven Jack dejó su casa y fue criado por su tío, Knut Herriman, un fotógrafo forense retirado que es además una celebridad local. En la actualidad su trabajo es exhibido en una galería de arte cuyo nombre hace honor al lugar donde Knut capturó la mayoría de las imágenes que lo hicieron famoso: "La escena del crimen", y muchos de sus contactos son ahora el principal apoyo de Jack.

En Scene of the Crime: A Little Piece of Goodnight, Jack es contratado por una mujer para investigar la desaparición de su hermana menor. El caso no parece presentar complicaciones pues todo apunta a que se trata sólo de una secta que manipula a jóvenes confundidos para obtener dinero de sus familias. Pero las cosas son más complejas de lo que pensaba y en vez de investigar una simple desaparición, Jack se sorprende trabajando en un caso de homicidio.

No quiero contar mucho de la historia, pues los giros argumentales son parte integral del género negro y todo mundo merece la oportunidad de experimentarlos de primera mano. El manejo de diálogos de Brubaker siempre ha sido una de sus fortalezas, y aquí se muestra en gran forma al construir personajes complejos y creíbles a partir de pequeños momentos, y enriqueciéndolos con las relaciones que crea entre ellos.

El rico elenco de personajes secundarios de Scene of the Crime incluye al mencionado Knut Herriman y a Molly, su eterna prometida; a Paul Raymonds, ex-compañero del difunto padre de Jack en la policía; y a Steve Ellington, otro investigador privado, amigo de Jack, quien es fanático del cine y las novelas noir, y lo manifiesta desde su propia apariencia, emulando a sus héroes ficticios, sombrero incluido.

El arte de Michael Lark, con su trazo limpio y un pesado pero eficiente uso de sombras, resulta el complemento ideal para el oscuro pero íntimo relato creado por Brubaker. El mismo Lark entintó el primer número, pero el arte se beneficia con las tintas de Phillips en el resto de la historia, pues añade texturas y le da otra dimensión a las expresiones faciales. La limpia narrativa que surge de la combinación hace muy agradable la lectura de esta serie.

El hecho de que la miniserie tuviera un subtítulo, además de la historia corta aparecida en un especial de Vertigo, parecen indicar que la intención era que la serie fuese regular o al menos una serie de miniseries, lo que era una gran idea, pues tanto Jack como los otros personajes tienen potencial para explorar más misterios a su lado, pero por desgracia eso no sucedió.

La serie fue recopilada en un tomo de pasta blanda en el 2000, también bajo el sello Vertigo, pero hoy día resulta complicado encontrar ejemplares tanto de los números sueltos como de ese tomo recopilatorio. Por fortuna, una vez que Brubaker recuperó los derechos de la obra, en 2012 apareció una nueva edición de lujo en pasta dura, con mayor tamaño y material adicional, la cual fue publicada por Image Comics.

Scene of the Crime: A Little Piece of Goodnight es una gran historia de crimen y misterio que muestra que la calidad a la que Brubaker nos tiene acostumbrados ya era una marca de su trabajo desde hace más de veinte años. Ojalá que la buena recepción que tuvo la más reciente edición hubiera servido como aliciente para la creación de más historias protagonizadas por Jack Herriman, pero parece que no fue así. Habrá que mantener las esperanzas de que suceda algún día.

The Old Guard, de Rucka y Fernández

Texto originalmente publicado en Comikaze.net

Éste es un cuento de hadas con sangre y balas. Es la historia de una mujer y tres hombres que no pueden morir. Mayormente. Sus nombres son Andy, Nicky, Joe y Booker. Es una historia acerca del tiempo y la edad, y sobre eras, además de amistad, amor y arrepentimiento.

Ésa es la introducción a The Old Guard, cómic creado por Greg Rucka y Leandro Fernández, publicado en 2017.

Andy es la líder de un pequeño grupo de mercenarios con un secreto: no pueden morir. O casi. Ella es en realidad Andrómeca de Escitia y cuenta su edad en milenios. Puede que sus compañeros, Nicky, Joe y Booker, no sean tan viejos como ella, pero todos han vivido durante siglos. 

Ninguno tiene idea de por qué son especiales o a que se debe su condición, pero en general la consideran una maldición. Cuando se vive por tanto tiempo, la vida puede volverse tediosa, pero en la actualidad la vida se mueve tan rápido que no es fácil mantenerse al día con los avances de la tecnología y cada día se sienten más aislados del resto del mundo.

Aunque siempre se han esforzado por mantener en secreto su inmortalidad, es difícil guardar secretos en un mundo hiperconectado y están a punto de descubrir los alcances de la ambición humana en la era de las grandes corporaciones. Esa es la premisa de esta miniserie de acción de cinco números, publicados en 2017 por Image Comics.

El aclamado escritor Greg Rucka (Detective Comics, Gotham Central, Wonder Woman, Whiteout, Lazarus, Stumptown, Queen & Country) hace equipo una vez más con su viejo conocido, el argentino Leandro Fernández (The Discipline, Punisher Max, Queen & Country) para contar una interesante historia de acción, intriga, amistad y traición.

En lo que respecta a la trama, la historia parece muy simple: un grupo de guerreros inmortales se encuentra con que su secreto ha sido expuesto luego de que un viejo contacto les pone una trampa para grabarlos, y ahora un egocéntrico multimillonario dueño de una corporación ha decidido capturarlos para tratar de robar su secreto.

Así que deben hacer su mejor esfuerzo por huir, pelear y ocultarse de sus perseguidores. El problema es que justo en medio de esta difícil situación, sienten la aparición de un nuevo inmortal. ¿Podrán mantenerse lejos de quienes los persiguen y acoger a su nueva recluta?

El arte de Fernández es particularmente efectivo en historias de acción militar, tal como descubrimos hace años con su trabajo en Queen & Country y Punisher. Su efectivo uso de sombras recuerda por momentos al trabajo de su compatriota Eduardo Risso, y la en apariencia simple paleta de color de Daniele Miwa lo complementa a la perfección para crear una atmósfera sombría y melancólica que le sienta muy bien al tono de la historia.

El tema de la inmortalidad como una maldición no es nuevo, e incluso hay momentos de la historia que me recuerdan un poco a Highlander, la película ochentera protagonizada por Christopher Lambert y Sean Connery y la serie de TV que le siguió años después con Adrian Paul como protagonista, sobre todo por detalles como que la inmortalidad se manifieste después de morir por primera vez y que la edad aparente de cada personaje sea justo la que tenían en ese momento.

Pero en vez de crear una mitología mística alrededor de sus protagonistas para enfrentarlos en una guerra secreta mientras intentan mantener en secreto su existencia, Rucka los dota de una humanidad que es exacerbada por su "don", pues a pesar de que éste los separa del resto de la gente, también provoca que reflexionen acerca de temas como el amor y la amistad, la desesperanza, y la añoranza por pertenecer a una sociedad de la que ya no forman parte. También es importante el gran trabajo para crear personajes diversos y bien desarrollados, con personalidades distintas y bien definidas que permiten explorar los temas de la historia de mejor manera.

Es tanto lo logrado en términos de caracterización en esta miniserie, que para cuando termina la serie no es difícil imaginar la posibilidad de que haya más relatos en este mundo con estos protagonistas, ya sea en grupo o de forma individual y en distintos periodos históricos, algunos de los cuales apenas fueron tocados en esta miniserie inicial.

La labor del rotulista es un aspecto muchas veces ignorado, incluso cuando es parte integral del diseño de una serie o tomo, pero en este caso me parece digno de comentar lo que hace Jodi Wynne con el tema de los idiomas, pues en lugar de colocar los textos entre corchetes, como se acostumbra hacer, utiliza tipografías diferentes para indicar cuando los diálogos están en otro idioma. También habría que comentar que el diseño de la publicación es de Eric Trautman, otro colaborador habitual de Rucka.

La miniserie fue recopilada en un tomo de pasta blanda titulado The Old Guard, Book One: Opening Fire en el verano de 2017, el cual es relativamente fácil de encontrar. En diciembre de 2019 dio inicio una segunda miniserie, The Old Guard: Force Multiplied, misma que se vio interrumpida antes de la aparición de su último número debido a la suspensión de actividades en la industria del cómic por causa de la pandemia, pero concluirá en julio próximo, en cuanto se reanude la publicación regular.

Hablando de julio, ese mismo mes llegará a Netflix la película basada en esta historia, así que es probable que haya un renovado interés por conocer el cómic. La cinta será dirigida por Gina Prince-Bythewood sobre un guion del propio Rucka, lo que hace pensar que será fiel al cómic, a diferencia de lo ocurrido con la olvidable "adaptación" de Whiteout. Charlize Theron interpretará a Andy, y le acompañan en el elenco Kiki Layne, Marwan Kenzari, Matthias Schoenaerts y Chiwetel Ejiofor.

En resumen, The Old Guard es un cómic de intriga y acción que debe resultar del agrado de los seguidores de Greg Rucka y de los fans de las historias de acción militar. Una lectura bastante recomendable.