Maniac of New York, de Kalan y Mutti

Un subgénero bastante popular dentro del horror contemporáneo es el de slashers, historias que siguen a violentos asesinos seriales que acechan a sus víctimas para despacharles, usualmente con un arma punzocortante. En el cine sobran ejemplos que han derivado en exitosas franquicias (Halloween, Friday the 13th, Nightmare on Elm Street, Scream, etc.), y aunque en cómics no es un género tan popular, tampoco faltan ejemplos, y uno de los más recientes es Maniac of New York.

Esta miniserie de cinco números publicados a partir de mayo de este año por Aftershock Comics es una historia de horror y una mordaz sátira social a la actualidad estadounidense, creada por Elliot Kalan, escritor famoso por su trabajo en TV como jefe de escritores de The Daily Show with Jon Stewart y de la versión Netflix de Mstery Science Theater 3000, junto al talentoso artista italiano Andrea Mutti, que también se encargó del color, quienes trabajaron con el experimentado rotulista Taylor Esposito.

La historia gira alrededor de Harry the Maniac, nombre que la prensa y público da a un asesino serial que aparición durante la fiesta de Año Nuevo en Times Square y asesinó a 79 personas. Cuatro años después de ese ataque, el asesino sigue libre y sus ataques, que no parecen seguir patrón alguno de tiempo, lugar o selección de sus víctimas, se han convertido en una parte normal de la vida para los habitantes de la Gran Manzana sin que se vislumbre alguna posibilidad de que sea detenido.

La rivalidad entre el alcalde de la ciudad y el gobernador del estado impide una respuesta coordinada, y las autoridades parecen contentas con sólo hacerse a un lado y rogar porque el próximo ataque no se dé bajo su respectiva jurisdicción. De hecho, no es raro que los detectives de homicidios archiven sus propios casos como si fuesen producto de otro ataque de Harry sin importar que en la mayoría de los casos la evidencia apunte a que no tienen relación con el temido asesino serial.

Entra en escena la detective Gina Greene, recién nombrada como la nueva cabeza de la fuerza de tarea asignada por el alcalde a llevar la investigación de los asesinatos de Harry the Maniac. Gina tiene motivos personales para querer detener al asesino, pero pronto descubre que la fuerza de tarea carece de los medios, recursos o siquiera autoridad para realizar su trabajo. Tratando de cambiar las cosas, Gina contacta a la detective Zelda Pettibone, quien es odiada por sus colegas por rehusarse a encubrir a su antiguo compañero.

La inusual pareja formada por una detective ingenua e idealista que busca justicia y otra cínica y cansada que está convencida de que el asesino es un castigo a la ciudad que no puede ser detenido se convierte en el único verdadero esfuerzo por averiguar las razones tras los ataques de Harry para tratar de detenerlo, y luego de que el asesino es avistado a bordo de un tren del metro de la ciudad, ambas deciden abordarlo para enfrentarlo antes de que mate a todos los pasajeros.

En la superficie, Maniac of New York es una especie de carta de amor de parte de Kalan hacia el género slasher, llena de alusiones, tributos y referencias a algunas de las películas más características del género, pero en vez de quedarse ahí el escritor añade distintas capas narrativas, una de las cuales es una poco sutil crítica a la forma en que los estadounidenses reaccionan a tragedias y actos violentos que ninguna persona racional debería interpretar como parte de su realidad cotidiana.

Algunas de las figuras públicas que aparecen o son mencionadas en la historia, como el alcalde, el gobernador, un congresista y una personalidad de televisión, pese a tener nombres ficticios, son claras alusiones a personas reales, y la forma en que responden a la crisis planteada por la historia es reminiscente de lo que tantas veces hemos visto reportado en las noticias cuando hay algún tiroteo en escuelas o lugares públicos, o se presentan actos violentos que debían haberse prevenido.

El arte de Mutti es un gran complemento a la historia. Su trazo suelto y limpio, en combinación con una pálida paleta en que predominan los colores fríos se siento fresco, y los estallidos de violencia y sangre resaltan gracias al contraste que representa la sangre que rompe con la aparente monotonía de color en el resto de las escenas. Su atención al detalle es ligera, pero efectiva, lo que hace que sus locaciones sean claras e identificables, además de que tiene un gran manejo de expresiones faciales.

La historia está llena de humor negro, y es evidente que Kalan se regodea al mostrar la estupidez, incompetencia y negligencia que caracteriza a las figuras públicas de quienes se mofa con su historia. A pesar del tono de la historia, el autor inyecta la suficiente personalidad en sus dos protagonistas para lograr que el lector se identifique o simpatice con ellas, que en muchos sentidos son los únicos personajes en la historia que actúan como seres humanos racionales y con sentimientos.

Es importante apuntar que la historia está estructurada para funcionar como una serie de miniseries, con al menos una historia publicada cada año. Acaba de arrancar la segunda miniserie del título, Maniac of New York: The Bronx is Burning, que parte justo donde terminó la primera miniserie, así que es necesario tener paciencia y tratar de evitar sentirse decepcionados al descubrir que la historia queda abierta al final de los cinco números de la miniserie original.

Maniac of New York puede no ser un cómic para todos los gustos, pero si son aficionados al horror y en especial al género de slashers, y no rehuyen de la sátira o el humor negro, se trata de un cómic que seguro van a disfrutar. El tomo recopilatorio apareció en octubre pasado, y de acuerdo a como opera Aftershock, lo más probable es que cada miniserie resulte en un nuevo volumen publicado unas semanas después de la conclusión de cada miniserie.

Por desgracia se trata de un título de bajo perfil, y me parece poco probable que algún día llegue a publicarse en nuestro país una edición de esta serie, aunque quizás en España haya mayor interés por tener una versión en español de esta entretenida historia de sátira y horror. Se trata de un cómic bastante recomendable, aunque con las reservas habituales para aquellos lectores a quienes incomoden los relatos con exceso de sangre y violencia.

Destroy All Monsters, de Ed Brubaker y Sean Phillips (Reckless 03)

Hace muchos años que cuento a Ed Brubaker entre mis escritores favoritos, y no es para nada raro que decida comprar y leer a ciegas cualquier cosa que publique, lo que va por partida doble si es en colaboración con el excelente artista inglés Sean Phillips. Estos autores trabajan en material propio al amparo de Image Comics, y el año pasado decidieron publicar novelas gráficas en lugar de las miniseries o series continuas que acostumbraban.

En 2019 publicaron dos novelas gráficas de la serie Criminal, y su éxito los llevó a probar suerte en 2020 con Pulp, una novela gráfica autocontenida. La recepción les confirmó que su mercado estaba listo para hacer un cambio, y pronto anunciaron Reckless, una historia de largo aliento pero contada a través de novelas gráficas.

En enero pasado comenté la primera entrega, y hace unos meses hice lo mismo con Friend of the Devil, segunda entrega de la serie. El mes pasado apareció la tercera, que lleva por título Destroy All Monsters, y luego de haber completado tres en menos de un año es evidente lo bien que se adaptaron a trabajar en este nuevo formato.

La serie sigue a Ethan Reckless, ex agente del FBI que ofrece asistencia a quienquiera que lo necesite, desde localizar gente u objetos hasta involucrarse en actividades no siempre legales, pero sólo si considera que es lo correcto. Un viejo cine cerrado en la ciudad de Los Angeles que recibió como pago en uno de sus primeros trabajos es su base de operaciones, y una joven llamada Anna funge como su asistente, desde filtrar las llamadas de quienes solicitan sus servicios hasta ayudar con sus investigaciones.

La primera historia estaba ambientada a inicios de los 1980, y la segunda tuvo lugar en 1985. Ahora nos movemos a 1988, año en que la peculiar amistad entre Ethan y Anna atravesaba por un momento complicado, y la distracción que eso significaba provocó que Ethan cometiera varios errores en un breve tiempo. Por primera vez en mucho tiempo, aceptó un caso sin contar con el apoyo de Anna, sin realizar ninguna investigación previa alrededor de su cliente o lo que éste le pidió hacer, provocando toda clase de problemas.

Ethan debe seguir las actividades de un acaudalado empresario de bienes raíces que traicionó a su socio y echó abajo un plan que beneficiaría a una decaída comunidad de los barrios bajos de Los Angeles a cambio de obtener mayores ganancias. El cliente de Ethan es un político que desea exponer la corrupción que lo permitió y quizá restaurar el plan original, parcialmente ideado años atrás por su propio padre pero, ¿Qué otros secretos tiene el empresario? Actuar con información incompleta no sólo pone en riesgo su vida, sino las de aquellos a su alrededor.

Una de las características más destacadas de Reckless es que los tres volúmenes publicados funcionan como historias completas fáciles de seguir y disfrutar de manera independiente, pero al leerse en conjunto empiezan a dar forma a una historia más grande y compleja. Esta estructura, sumada a que hay unos años de diferencia entre las historias, tiene la enorme ventaja de permitir que los tomos se puedan leer en desorden, pues no hay una serialización directa de la trama central.

A pesar de eso, creo que lo más adecuado es leerlos en el orden de aparición, que coincide con la cronología de sus historias. Esto es porque con cada nuevo tomo Brubaker se siente más cómodo en este mundo, y las historias han ido creciendo tanto en complejidad como en el peso dramático que da una dimensión adicional al personaje de Ethan Reckless y alcanza su punto más alto hasta ahora gracias a que esta tercera entrega explora la naturaleza de su amistad con Ana, que hasta ahora había sido un personaje secundario.

Habrá quien diga que en realidad se trata de una mera cuestión de percepción, y que quien está cada vez más familiarizado con este mundo no es el escritor, sino uno como lector. Y sí, algo hay también de eso, pero es innegable leer estas tres novelas gráficas y no darse cuenta de que han ido creciendo, si no en la calidad de la ejecución, si en complejidad y ambición narrativa, pues más allá de que los personajes se benefician de la acumulación de historias, la trama de cada una de ellas se siente más elaborada que la anterior.

Esa creciente complejidad, quizás más perceptible en la forma de elaborar el mundo en que viven sus personajes, tiene mucho que ver con el trabajo de investigación documental que Brubaker realiza para muchas de sus historias, pues aun si parte con una idea clara de lo que quiere contar, en ocasiones puede agregar detalles que aportan una bienvenida sensación de realismo. En este caso eso ocurrió con la subtrama de los desarrollos inmobiliarios en Los Angeles, que logra incorporar de gran manera a la trama.

He leído algunas quejas acerca del personaje de Ethan, pues parece que a muchos les molesta la idea de tener un protagonista con el que no puedan empatizar o simpatizar, y la verdad es algo que me confunde un poco. Desde un principio queda claro que Ethan no es una buena persona. Puede ser que elija sus trabajos pensando en castigar o ayudar a gente que lo merezca, pero lo hace sin asumirse como "el bueno" de la historia. Hace lo que tiene que hacer dentro de los parámetros que le parecen correctos, y eso lo hace un gran antihéroe noir.

Esa aparente desconexión con la humanidad (o al menos con el lector) es compensada con la presencia de Anna, y quizá el que ella por fin reciba un poco más de atención es lo hace que Destroy All Monsters se sienta como la más redonda de las tres historias que han presentado hasta ahora. La oscuridad y melancolía que caracterizan a Ethan son todo el opuesto al burbujeante optimismo de su amiga y asistente, sin que ello implique que la joven no vea la oscuridad que predomina en el mundo a su alrededor.

En cuanto al arte de Sean Phillips, es fácil dar por sentado lo mucho que es capaz de hacer en cada página. Sobran ejemplos de su capacidad para establecer atmósferas o usar los escenarios como herramientas narrativas. Tiene un peculiar y útil instinto para decidir cuándo vale la pena poner mayor atención a los fondos o entender que un enfoque minimalista funciona mejor, y en ocasiones hay que leer varias veces una de sus historias para percatarnos de las muchas sutilezas que entran en juego en su labor narrativa.

Pero en el caso de Destroy All Monsters, la naturaleza de la historia permite poner los reflectores en una de las características de su trabajo que tiende a ser omitida al hablar de lo mucho que hace bien, y se trata de su capacidad para retratar emociones a través de expresiones faciales, desde la sardónica sonrisa de un corrupto policía al emitir una amenaza a los sutiles cambios de humor que vemos en el rostro de Anna a lo largo de una llamada telefónica con el siempre inexpresivo y a veces desquiciante Ethan.

El trabajo de color de Jacob Phillips es otro de los elementos que muchos tienden a menospreciar, pero nunca me cansaré de admirar su efectivo uso de paletas contrastantes, con cálidos amarillos y rosas para el día y fríos azules y púrpuras para la noche, a menudo interrumpidos por las explosiones de acción y violencia que se pueden dar en cualquier momento, y en las que suele jugar con la saturación para enfatizar la intensidad de cualquier escena que lo requiera. Pocos coloristas pueden presumir de ser parte de la labor narrativa, y Jacob es uno de ellos.

Desde el tomo anterior comenté un poco acerca de la forma en que los Phillips manipulan lo que hace cada página mediante trucos como romper las sangrías o usar las dimensiones de cada viñeta para afectar el ritmo de lectura, y el rotulado, obra del propio Sean, es otra herramienta en su arsenal. Los globos de texto flotan y tocan los bordes superiores de cada viñeta, así que cuando no lo hacen es por una razón. Las cajas de texto tienden a flotar de forma más libre, y usualmente los usa para ayudar a guiar la vista en cada página.

Podría seguir elogiando la labor de este talentoso trío de autores, pero creo que lo mejor que puedo hacer es recomendarles que lo experimenten por ustedes mismos. Destroy All Monsters, tercera entrega de la saga de Reckless es una excelente noela gráfica que cierra con la promesa de que en algún momento en el futuro nos romperá el corazón, pero no sabemos si será en unos meses, cuando aparezca el cuarto volumen, o más adelante.

Si son aficionados a la ficción criminal o gustan de las historias bien contadas y llenas de personajes intrigantes, Reckless es una alternativa sin falla alguna, y Destroy All Monsters parece indicar que los talentosos Ed Brubaker, Sean Phillips y Jacob Phillips apenas están calentando. Sin duda una recomendación que vale mucho la pena.

Château de Sable (Sandcastle, de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters

Hace un par de semanas se estrenó en cines Old (Viejos), la más reciente película de M. Night Shyamalan, y como suele pasar con su trabajo, la recepción de crítica y público ha sido muy dividida. Aún no estoy yendo al cine, así que no sé cuando la vea, pero esta vez quiero escribir un poco sobre la novela gráfica en que se inspiró el polémico director de origen hindú: Château de Sable (Castillo de Arena).

Esta novela gráfica es obra del escritor y documentalista Pierre Oscar Lévy y el artista y novelista gráfico Frederik Peeters (Blue Pills) y fue publicada en 2010 a través del sello francés Atrabile, y un par de años después Self Made Hero adquirió los derechos para publicarla en inglés bajo el título de Sandcastle. En español existe una versión de Astiberri Ediciones, y cualquiera de las tres versiones es relativamente fácil de conseguir.

Queen & Country, de Greg Rucka y varios artistas

La mayoría de los lectores de cómics ubican a Greg Rucka por su trabajo para DC Comics en títulos como Detective Comics, Wonder Woman, Gotham Central o Action Comics, o para Marvel en Wolverine, Elektra y Punisher, entre otras cosas. Quizá algunos conozcan también su obra de autor, como Whiteout, Lazarus, Black Magick, Stumptown o The Old Guard (de la que el mismo escribió la adaptación para Netflix, pero pocos mencionan Queen & Country.

Publicada a partir de 2001 vía Oni Press, editorial que dio entrada a Rucka al mundo del cómic, esta serie de espionaje duró 32 números, publicados a lo largo de seis años, y complementada por tres miniseries de Queen & Country: Declassified, que seguían a personajes secundarios, pero eventualmente cruzaban con la historia principal. Las series contaron con Steve Rolston, Brian Hurtt, Leandro Fernández, Jason Shawn Alexander, Carla Speed McNeil, Mike Hawthorne, Rick Burchett, Mike Norton, Chris Mitten y Chris Samnee como artistas.

Concrete, de Paul Chadwick

En el mundo del cómic, hablar de 1986 es hablar de evolución y crecimiento. Muchos lectores hablan de ese año como la fecha en que los cómics se volvieron adultos, y citan como razones algunas historias que se publicaron entonces: Watchmen, The Dark Knight Returns, Daredevil: Born Again, Punisher: Circle of Blood, e incluso la actualización de Superman en la miniserie The Man of Steel. Pero todo eso fue en cómics de superhéroes, ¿qué hay del resto?

1986 también vio nacer a Dark Horse Comics, editorial con políticas y prácticas que fueron esenciales para el crecimiento del cómic de autor y para que hubiera una apertura del mercado a historias en otros géneros (acá pueden leer un poco de su historia). Su primera publicación fue la antología Dark Horse Presents, que ofrecía una mezcla de historias cortas y serializadas, y la más memorable de aquel primer número, publicado el 23 de julio de 1986, fue Concrete, escrita y dibujada por Paul Chadwick.

Reckless: Friend of the Devil, de Ed Brubaker y Sean Phillips con Jacob Phillips

No es secreto que Ed Brubaker es uno de mis escritores favoritos, o que compro y leo a ciegas cualquier cosa que haga en colaboración con Sean Phillips. Hace unos meses comenté Reckless, una novela gráfica original publicada a fines de 2020, y hace unas semanas apareció el segundo volumen de la serie, Friend of the Devil: A Reckless Book.

Brubaker y Phillips trabajan desde hace años en proyectos propios al amparo de Image Comics, pero en el último par de años se dieron cuenta de que su mercado les permitía darse el lujo de publicar directo como novelas gráficas, dejando atrás el formato de cómics serializados.

Las ventas de las novelas gráficas publicadas en 2019, My Heroes Have Always Been Junkies y Bad Weekend, ambas dentro del mundo de Criminal, les dieron una idea de una nueva posibilidad, y el éxito de Pulp, publicada el año pasado, los convenció de dar el salto a novelas gráficas originales, así que al menos este año y el que viene estarán mayormente ocupados en historias de Reckless.

Superman's Pal Jimmy Olsen, de Matt Fraction y Steve Lieber con Nathan Fairbairn

Los cómics de superhéroes han sido populares por tanto tiempo que en una época no tan lejana, al hablar de cómics, la mayoría de la gente pensaba de inmediato en superhéroes, como si fuesen uno y lo mismo. Por esa razón me sorprende un poco que, tras ochenta años de existencia, en general sabíamos muy poco de Jimmy Olsen, el joven fotógrafo del Daily Planet que es amigo del hombre de acero. Por fortunas ahora tenemos Superman's Pal Jimmy Olsen, donde Matt Fraction, Steve Lieber y compañía exploran la vida y personalidad de este personaje.

Nadie mejor para explorar la vida cotidiana de un personaje poco ordinario que Fraction, quien hace años ganó toda clase de reconocimientos por su trabajo en las páginas de Hawkeye, junto a David Ajá y otros artistas. Pero en el caso de Jimmy Olsen, que a lo largo del tiempo, y en especial durante la Edad de Plata, ha tenido aventuras bastante ridículas, así que el escritor aborda el tema con mucho humor, así que encuentra en Steve Lieber, que en The Superior Foes of Spider-Man había dado muestras de su habilidad para ilustrar humor.

Get Jiro! de Anthony Bourdain, Joel Rose y Langdon Foss

Anthony Bourdain, chef internacional y personalidad de TV fallecido hace tres años, hubiese cumplido 65 años de edad esta semana. Famoso por sus libros sobre el mundo de la cocina y como conductor de los programas de TV No Reservations y Parts Unknown, pocos saben que antes de su éxito, en los 1990, intentó forjarse una carrera como escritor, y publicó un par de novelas que combinaban cocina y misterio. No tuvo éxito y se refugió en cuestiones culinarias, pero durante la década pasada publicó algunos cómics, y quiero recomendar el primero de ellos: Get Jiro!

Publicada como novela gráfica en 2012 a través del sello Vertigo de DC Comics, Get Jiro! fue coescrita por Bourdain junto con el periodista y escritor tanbién nativo de Nueva York Joel Rose, y contó con arte de Langdon Foss y color de los veteranos José Villarrubia y Dave Stewart, además de rotulado del aclamado Todd Klein.

El tomo se convirtió en un éxito inmediato y alcanzó la lista de best-sellers del New York Times, generando además la aparición de una precuela, Get Jiro: Blood and Sushi, publicada en 2015 otra vez por Vertigo, pero ahora con dibujo de Alé Garza, colores de José Villarrubia y rótulos de Clem Robins.

This One Summer, de Mariko y Jillian Tamaki

Cuando se habla de lecturas para jóvenes lectores, muchos se imaginan que es sólo otra forma de referirse a libros o novelas gráficas para niños, y la verdad es que no siempre es así. A menudo se trata de obras que pueden ser disfrutadas por adultos de todas las edades, pero que por su naturaleza o contenido tienen un especial impacto en adolescentes, y justo ése es el caso de This One Summer.

Esta novela gráfica publicada en 2014 por First Second, editorial especializada en cómics y novelas gráficas para niños y adolescentes, es obra de las canadienses Mariko y Jillian Tamaki, primas que unos años antes habían colaborado en la novela gráfica Skim. Es muy probable que el nombre de Mariko les resulte familiar, pues en los últimos años ha ganado notoriedad gracias al trabajo que ha estado realizando para Marvel y DC Comics, donde actualmente es la guionista regular de Detective Comics, título insignia de la segunda editorial.

Die, de Kieron Gillen y Stephanie Hans

En unos cuantos años Kieron Gillen se ha convertido en uno de mis escritores de cómics favoritos. Hace años escribí un poco sobre su carrera cuando visitó por primera vez la ciudad de México, y he comentado varios cómics suyos: Peter Canon Thunderbolt, Once and Future, Ludocrats y The Wicked + The Divine, además de que traduje y compartí algunos consejos suyos sobre cómo convertir una idea en un guion de cómic.

Además de lo que actualmente escribe para Marvel Comics (Warhammer 40,000 y Eternals), tiene dos series propias en marcha, ambas dentro del género de fantasía pero con tintes oscuros: la ya mencionada Once and Future, donde colabora con Dan Mora y Tamra Bonvillain, y Die, en la que hace equipo con la talentosa artista francesa Stephanie Hans, con quien ya había trabajado en números sueltos de Journey Into Mystery y The Wicked + The Divine. Y el cómic que quiero comentar ahora es el primer volumen de Die, serie próxima a publicarse a través de Panini Comics México.

Sweet Tooth, de Jeff Lemire con José Villarrubia

Durante los últimos diez años el papel de los cómics como fuente de historias para medios más populares, como el cine o la TV, ha crecido de forma asombrosa, y por fortuna a la gente a cargo de elegir propiedades no les tomó mucho darse cuenta de que la narrativa gráfica eran mucho más que sólo superhéroes. Ahora estamos a un par de días del estreno en Netflix de Sweet Tooth, serie basada en el cómic del mismo nombre de Jeff Lemire, y ése es un excelente pretexto para revisitar esta obra del talentoso escritor y artista canadiense.

Sweet Tooth es un cómic de ciencia ficción postapocalíptica creado por Lemire y publicado bajo el sello Vertigo de DC Comics. Al partir la serie, el compromiso entre autor y editorial fue de 12 números, y a partir de ahí todo dependía de la recepción y ventas. Su éxito fue inmediato y estuvo nominada al Eisner como mejor nueva serie. En aquel entonces Lemire comentó que pensaba en una historia de unos treinta números, pero al final duró cuarenta y concluyó en 2012. Él mismo escribió y dibujó la mayor parte de la serie, aunque contó con aportes de Matt Kindt y Nate Powell, todos coloreados por José Villarrubia.

Death or Glory, de Rick Remender y Bengal

Rick Remender se hizo de nombre por su trabajo para Marvel Comics en series tan exitosas como Agent Venom, Captain America y Uncanny X-Force, y aunque ya había hecho algunos cómics propios, como Fear Agent o The Last Days of American Crime, fue hasta la década pasada que se volcó al cómic de autor sin volver atrás, y produciendo cómics tan buenos como Black Science, Low, Deadly Class, Tokyo Ghost y Seven to Eternity. Su éxito ha sido tal que ya tuvimos una efímera serie de TV de Deadly Class y una mala adaptación de The Last Days of American Crime. Pero uno de sus cómics menos conocidos es Death or Glory.

Para esta serie Remender hizo equipo con el talentoso artista francés Bengal, conocido por sus portadas variantes y quien había realizado algunos números sueltos para varios títulos de Marvel Comics, pero Death or Glory representa la primera muestra de su talento que podemos apreciar de este lado del Atlántico en un formato más extenso. La serie debutó con un arco de cinco números publicados entre mayo y septiembre de 2018, y tras una pausa de poco más de un año volvió a finales de 2019 y concluyó en julio de 2020 luego de una interrupción adicional producto de la pandemia y el paro de Diamond.

Marvels, de Kurt Busiek y Alex Ross

Hoy día Kurt Busiek y Alex Ross son grandes estrellas del cómic y gozan de fama y reconocimiento alrededor del mundo, pero en 1994 ése no era el caso.

Busiek llevaba varios años escribiendo para Marvel Comics, y aunque su trabajo era bastante sólido, nada de lo hecho hasta entonces había gozado de éxito significativo. Por su parte, Ross empezaba a abrirse paso en una industria en que los pintores eran considerados sólo como artistas de portada u opciones para el ocasional tomo de lujo, sobre todo por el tiempo requerido para completar un cómic con interiores totalmente pintados.

La historia sigue a Phil Sheldon, un fotógrafo que a fines de los años 30 intenta abrirse paso en el competitivo mundo del periodismo en la ciudad de Nueva York, y tiene la suerte de estar presente en el evento en que el Profesor Phineas Horton presentó al mundo a Jim Hammond, el androide conocido como Human Torch, la antorcha humana original. A partir de ahí la carrera y la vida de Phil se ven ligadas de una u otra forma a las "maravillas" (Marvels, en inglés), como él llama a todos los seres especiales que a lo largo de las décadas aparecen por el mundo, pero en particular en la ciudad de Nueva York.

JLA: The Nail, de Alan Davis con Mark Farmer

Siempre he creido que la capacidad de los cómics de superhéroes para ofrecer historias originales se ve limitada por la continuidad. Algunos personajes tienen hasta ochenta años de un canon que no siempre puede ajustarse, y ése es uno de los grandes atractivos de leer historias alternas. Marvel ha tenido varias versiones de What If...? y DC Comics tuvo el sello Elseworlds, que ofrecían a los autores la libertad de explorar otras versiones de los héroes e historias favoritos de todos.

El cómic que quiero recomendar en esta ocasión es JLA: The Nail, publicado en 1998 bajo el sello Elseworlds, y obra de Alan Davis y Mark Farmer. Davis es un dibujante inglés más conocido por su trabajo en Excalibur y Detective Comics, y Mark Farmer es el entintador con quien más se le identifica. Davis es también un escritor bastante capaz, y a partir de los 1990 era bastante común que él mismo se encargara de realizar los argumentos de las historias que dibujaba.

En el caso de JLA: The Nail, el autor usó un proverbio popular como base para construir una historia de un mundo alterno para los héroes más poderosos de DC.

Last of the Independents, de Fraction y Dwyer

Hoy Matt Fraction es uno de los escritores más reconocidos en el medio del cómic estadounidense gracias a su trabajo en cómics como Sex Criminals, Casanova, Hawkeye o Superman's Pal Jimmy Olsen, pero en 2003 era un nombre todavía era casi desconocido en el medio, pero eso empezó a cambiar cuando su colaboración con Kieron Dwyer en Last of the Independents empezó a llamar la atención, y la reedición de esa novela gráfica hace apenas unos meses bajo el sello Image es pretexto suficiente como para dedicarle este espacio.

En aquel entonces lo primero que llamaba la atención de esta novela gráfica fue el formato en que se publicó, de forma horizontal o apaisada, y para aplacar los reclamos sobre lo complicado de guardarlo en un librero, AiT/Planetlar, editorial a cargo de la publicación, incluyó una funda de papel satinado que permitía guardarlo de forma vertical como cualquier otro tomo de cómics. Otro detalle peculiar era que, más que blanco y negro, el cómic se publicó en sepia, algo bastante inusual en el cómic americano.

The Private Eye, de Brian K. Vaughan y Marcos Martín

Un tema bastante común al hablar de cómics independientes es el de la distribución, y muchos autores han volteado al internet y la distribución digital como una alternativa viable, pero esa suele ser una ruta más usada por novatos en busca de entrar a la industria del cómic y tratar de establecer su nombre que como una opción para todos, y tal vez eso fue lo que más llamó la atención en 2013 cuando Brian K. Vaughan (Saga, Paper Girls) y Marcos Martin (Amazing Spider-Man, Daredevil) anunciaron el lanzamiento de Panel Syndicate como una nueva plataforma para distribuir cómics digitales, con The Private Eye, creación de ambos, como su primer título.

¿Un par de autores reconocidos entre los mejores en el medio poniendo su trabajo al alcance del público, incluso gratis? Por supuesto que era atractivo. Si no conocen Panel Syndicate, aun es buen tiempo para echarle un vistazo. Ahí encontrarán cómics de altísima calidad por autores de primer nivel. Todos sus títulos están en el esquema "paga lo que quieras", con archivos descargables en varios formatos, sin tecnologías DRM o restricción alguna, e incluso pueden ser gratis si no se pueden permitir pagar por ellos, aunque les sugiero pagar aunque sea un poco, pues el dinero va directo a los autores. Todos los títulos están disponibles en inglés, español, portugués y catalán. Aquí el enlace a The Private Eye.

The Flintstones, de Mark Russell y Steve Pugh

Pocos personajes de dibujos animados están tan arraigados en la cultura popular como las creaciones de Hanna-Barbera, que han acompañado a niños de todas las edades por varias generaciones. Por eso, cuando en 2016 DC anunció planes para actualizar algunos conceptos en una nueva línea de cómics, la noticia fue mayormente recibida con escepticismo. Pero para sorpresa de muchos, el resultado fue mejor de lo esperado, y en el caso particular de The Flinstones (Los Picapiedra) se trató de un cómic relevante y de actualidad.

La idea detrás de la línea, denominada como el Hanna-Barbera Universe, era dar una inyección de frescura a las aventuras de estos personajes, conservando la esencia y espíritu de las clásicas animaciones pero explorando toda clase de conceptos modernos y temas de actualidad. Y tal vez fue la naturaleza misma de The Flinstones, serie creada en 1960 que se mantuvo en el aire por seis años, ayudó a que se convirtiera en el perfecto ejemplo de lo que la línea podía llegar a ser en las manos correctas.

The Wicked + The Divine, de Gillen y McKelvie

Debido a la naturaleza casi industrial del cómic estadounidense, es extraño toparse con proyectos de largo alcance en que la obra completa haya sido realizada por un solo equipo creativo. Ni siquiera el fuerte impulso que el cómic de autor ha tenido en las últimas dos décadas ha alterado esa tendencia, pues no es raro ver a otros artistas tomar la estafeta de aquel que inició un proyecto. Supongo que la idea de comprometerse por varios años a una sola historia no es muy atractiva para algunos, y ésa es otra característica que hace de The Wicked + The Divine un cómic inusual.

Creación de Kieron Gillen y Jamie McKelvie junto con el talentoso colorista Matt Wilson, esta serie de fantasía contemporánea fue una colaboración de cinco años de un equipo creativo que había pasado un año entero trabajando en una serie de superhéroes (Young Avengers, para Marvel) como work for hire, lo que indica el nivel de comodidad y confianza existente entre ellos como para haber decidido que era un buen momento para sumergirse en un proyecto mucho más largo, aunque también puede que haya sido el momento ideal, pues tenían una audiencia cautiva que podría interesarse en lo que estaban preparando.

Sara, de Garth Ennis y Steve Epting

Para la mayoría de lectores de cómics, el nombre de Garth Ennis suele ser asociado con títulos como Hellblazer, Punisher, Preacher o, gracias a la exitosa serie de TV de Amazon Prime Video, The Boys. Pero existe un género narrativo en que, al menos en el presente, puede tratarse del mejor exponente: el bélico. Es decir, historias de guerra. Y Sara (TKO Studios, 2018) es un excelente ejemplo.

La historia transcurre en 1942 en los bosques helados de la Rusia ocupada por los nazis. Sara es la mejor tiradora en una unidad femenina de snipers que recorren el frente en busca de blancos alemanes de alto perfil. Carece de habilidades sociales, pero lo que le falta en tacto para lidiar con otros humanos le sobra en capacidad para inflingir bajas en el enemigo, y los nazis han decidido sacarla de la jugada.

Cuando el mejor francotirador alemán aparece en escena, la guerra se convertirá en un juego de gato y ratón entre dos unidades altamente entrenadas para pelear a distancia. ¿Quién de ellos logrará sorprender antes a su enemigo?

Hawkeye, de Matt Fraction y David Ajá

Es imposible negar el impacto que las películas del Universo Cinematográfico Marvel han tenido en la cultura popular alrededor del mundo, pero como lector de cómics lo que más me sorprende es la facilidad con que esas versiones cinematográficas han logrado que personajes que solían ser considerados como de segunda (Iron Man es un gran ejemplo) se convirtieran en íconos reconocidos por casi cualquier persona, y otro buen ejemplo es Hawkeye.

Clint Barton tiene una historia muy peculiar. Inició como un villano cuyo corazón no estaba en lo que hacía, por lo que decidió reformarse. Para su fortuna, el Capitán América creyó en él y le dio la oportunidad de convertirse en uno de los héroes más grandes del mundo como miembro de los Avengers. A lo largo de las décadas ha tenido gran cantidad de papeles, desde el compañero en que otros siempre pueden confiar hasta convertirse en líder o mentor de equipos alternos (West Coast Avengers, Great Lakes Avengers, Force Works, Thunderbolts, etc.), algo notable si consideramos que se trata de un humano común pero con un talento natural para usar un arco y flechas.

Resident Alien, de Peter Hogan y Steve Parkhouse

En los últimos años las adaptaciones de cómics a cine y televisión han gozado de tal éxito que ya nadie se sorprende cuando se anuncia un nuevo proyecto de esta naturaleza, y por fortuna ya hace tiempo que los responsables de elegir material para adaptar se dieron cuenta de que el arte secuencial ofrecía gran variedad de historias más allá del género de superhéroes. Uno de los casos más recientes es el de Resident Alien, cómic creado por Peter Hogan y Steve Parkhouse que Dark Horse Comics ha publicado como una serie de miniseries desde 2012. El cómic inspiró la serie protagonizada por Alan Tudyk estrenada hace unas semanas en el canal Syfy de los Estados Unidos.

La historia sigue a un alienígena cuya nave se estrelló en la Tierra que se establece en una cabaña a las afueras del pequeño pueblo de Patience, Washington, y mientras espera que vengan a rescatarlo se hace pasar por un médico retirado de nombre Harry Vanderspeigle. Harry posee habilidades telepáticas y puede convencer a todos a su alrededor de que tiene la apariencia de un hombre común y corriente, aunque ése no sea el caso, pues además de su inusual color de piel tiene grandes orejas puntiagudas, ojos totalmente negros y cuatro dedos en cada mano. De todos modos se mantiene aislado de todos y sólo visita el pueblo de vez en cuando en busca de provisiones.

Bitter Root, de David F. Walker, Chuck Brown y Sanford Greene

En los últimos años ha cobrado fuerza en el mundo del cómic (y el entretenimiento en general) el tema de la inclusión y diversidad, lo que ha resultado en una mayor representación de personajes pertenecientes a minorías étnicas o sexuales, así como de autores de los mismos grupos históricamente marginados. Pero lo más importante es que, aunque ciertos grupos intolerantes insistan en que se trata de un tema de "cuotas" y corrección política, eso nos ha permitido conocer historias de gran calidad con un alto contenido social. Y ése es el caso de Bitter Root, cómic coescrito por David F. Walker y Chuck Brown, y dibujado por Sanford Greene, publicado por Image Comics desde finales de 2018.

No estaba familiarizado con el trabajo de Brown, en tanto que a Walker y Greene los descubrí hace unos cinco años cuando se hicieron cargo de revivir la serie de Power Man & Iron Fist, que resultó una grata sorpresa en medio de un periodo en que Marvel Comics apostó por algunas series fuera de lo convencional que resultaron bastante disfrutables.

Shadow of the Batgirl, de Sarah Kuhn y Nicole Goux

DC Comics es el hogar de muchos de los superhéroes más antiguos del cómic, con aventuras que han marcado a generaciones de lectores a lo largo de ocho décadas, aunque en el último par de ellas tuvo una creciente tendencia a dar la espalda a niños y adolescentes, que históricamente han sido su mejor mercado. Siempre ha habido excepciones, claro, pero en el último puñado de años la editorial se ha sumado a un movimiento generalizado en la industria por volver a atraer la atención de nuevos lectores, y ya he comentado ejemplos como Superman Smashes the Klan o Harley Quinn: Breaking Glass.

Otro ejemplo reciente de cómics dirigidos a jóvenes lectores es la novela gráfica Shadow of the Batgirl, obra de la escritora Sarah Kuhn y la artista Nicole Goux, en la cual dan un nuevo y fresco origen a uno de los personajes de la editorial que había caído en desuso: Cassandra Cain, la asesina adolescente introducida a fines de los 1990 en la familia de títulos de Batman, quien a inicios de este siglo se convirtió en una nueva encarnación de Batgirl y gozó de gran popularidad por algunos años, al menos hasta que un nuevo reinicio en la continuidad de la línea principal de la editorial la relegó a segundo plano, donde se mantiene a la fecha.

That Texas Blood, de Chris Condon y Jacob Phillips

Las historias de crimen siempre han tenido un lugar importante en los cómics. Surgidos en la década de los 1940, una vez que el medio empezó a diversificar sus temáticas más allá de los superhéroes o el humor, y quizás vivieron su época de mayor popularidad a inicios de la década siguiente, sobre todo gracias al éxito de los excelentes títulos publicados por EC Comics. Luego de la aparición del Comics Code Authority y una fuerte campaña de autocensura en el contenido de los mismos, estuvieron cerca de desaparecer, aunque de tiempo en tiiempo reaparecen con cierto nivel de éxito.

A finales del siglo pasado aparecieron varios autores cuya obra, de excelente nivel, ayudó a rescatar el género, esta vez con una fuerte influencia neo noir. Destacan casos como los de Brian Michael Bendis (AKA Goldfish, Jinx), Brian Azzarello (100 Bullets), Dave Lapham (Stray Bullets) y Ed Brubaker (Lowlife, The Fall), que inspiraron a otros escritores y hoy día el género y a la fecha siguen trabajando en variaciones del mismo. Uno de los casos más recientes es el de Chris Condon, quien hizo su debut como escritor de cómics con That Texas Blood, serie en la que hizo equipo con el artista también debutante (aunque sólo en su faceta como dibujante) Jacob Phillips.

Harley Quinn: Breaking Glass, de Mariko Tamaki y Steve Pugh

A lo largo de sus décadas de existencia, el mundo de los cómics siempre ha respondido de forma extraña a algunas modas, y hay personajes que han llegado a alcanzar niveles de popularidad suficientes como para sobrevivir a la tendencia que los vio nacer, aun si muchos no logran entender de donde vino su éxito.

Por ejemplo, en los años 90 se pusieron de moda los antihéroes, y aunque algunos repuntan de tiempo en tiempo, pocos son los casos de personajes que no sólo lograron mantenerse vigentes al paso del tiempo, sino que se volvieron aún más populares, al grado de llevar su éxito a otros medios, donde hallaron una nueva audiencia. Los ejemplos más claros son Deadpool, y Harley Quinn. En el caso de esta última, se trata de un personaje que nació en la televisión antes de aparecer en cómics, y que a lo largo de los años ha sufrido cambios y transformaciones, no siempre afortunadas, pero que de una u otra forma han servido para mantenerla vigente.

The New World, de Aleš Kot y Tradd Moore

Un problema de actualidad en todo el mundo que cobró gran relevancia mediática el año pasado es el de la brutalidad policiaca en las ciudades. El blanco suelen ser las minorías raciales y la gente de bajos recursos, pero no se trata de un tema reciente, sino de un problema sistémico para el que no se ve una rápida solución. Y sin duda esto fue algo que Aleš Kot y Tradd Moore tenían em mente mientras creaban el mundo en que se desarrolla su historia de 2018 The New World.

La historia tiene lugar en los Estados Unidos en un futuro crecano, después de una segunda guerra civil que alteró la situación política social y geográfica de aquella nación. En este mundo, la policía no se molesta en apagar sus cámaras corporales si planea actuar con exceso de violencia. Al contrario, se aseguran de ofrecer un buen espectáculo para los millones de televidentes que sintonizan desde casa el grotesco reality show en que se ha convertido la procuración de justicia y siguen con entusiasmo las acciones de policías equipados con armaduras de alta tecnología y autorizados para actuar como juez, jurado y ejecutor para complacer a las masas.

It's a Bird..., de Steven T. Seagle y Teddy Kristiansen

Un tema recurrente cuando hablamos de cómics de superhéroes y en especial en todo lo que va de este siglo, es que hay mucha gente, incluso al interior de DC Comics o de Warner, la compañía dueña de esa editorial, que no entiende el género y en particular tiene problemas con el primer superhéroe de todos, el personaje que dio inicio al género: Superman. ¿Es realmente tan difícil entender qué es lo que hace funcionar al personaje?

Por fortuna, de tiempo en tiempo aparece una historia que le recuerda al mundo la esencia del personaje y demuestra que el Hombre de Acero es tan relevante hoy día como lo era hace ochenta años, si no es que aún más que entonces. El año pasado tuvimos la excelente Superman Smashes the Klan, de Gene Luen Yang y Gurihiru, y más de una década antes estuvo All-Star Superman, de Grant Morrison y Frank Quitely, y no es raro escuchar a alguien afirmar que son las únicas dos grandes historias que el personaje ha tenido en lo que va de este siglo.

Undone by Blood, de Nadler, Thompson y Kivelä

Aunque por mucho tiempo los cómics fueron dominados por los superhéroes, hay varios otros géneros narrativos que fueron parte importante en el desarrollo y crecimiento de este medio desde sus primeros años, y sin duda las historias de crimen y los western son de las que mayor popularidad alcanzaron. En los últimos años el medio ha visto una mayor apertura a material que no tiene nada que ver con Marvel, DC o sus coloridos héroes enfundados en mallas, y eso ha permitido que esos y otros géneros vivan un resurgimiento.

Autores como Ed Brubaker y Sean Phillips (Pulp), o Chris Condon y Jacob Phillips (That Texas Blood) han mostrado lo que se puede lograr al combinarlos, y aunque sus esfuerzos son los más populares, no son los únicos, y hay al menos un tercer título aparecido en 2020 que vale la pena comentar. Undone by Blood es una serie creada por Lonnie Nadler, Zac Thompson y Sami Kivelä, la cual es publicada por Aftershock Comics y de la que hasta el momento existe sólo una miniserie de cinco números que lleva como título completo Undone by Blood or The Shadow of a Wanted Man, misma que ya fue recopilada en un volumen de pasta blanda aparecido hace un par de meses, y de la cual ya se prepara una adaptación para televisión.

Karate Prom, de Kyle Starks

La nostalgia siempre ha sido parte importante de la industria del entretenimiento, así que además de constantes remakes, reboots y revivals suele darse cierta clase de culto hacia algunas propiedades. Eso es algo que Kyle Starks entiende bien, y mucho de su trabajo en cómics, sobre todo series como Sexcastle, Kill Them All o Assassin Nation, son verdaderas cartas de amor al cine de acción de los años ochenta.

En los últimos años Kyle (que ya visitó México hace unos años) se ha hecho de más seguidores gracias a su trabajo en cómics de licencia basados en propiedades de otros medios, en especial Mars Attacks y Rick and Morty, pero siempre que puede regresa a su pasión por la comedia de acción.

Y eso pasó el año pasado. En medio de los cierres de actividades a causa de la pandemia, se canceló el Free Comic Book Day, tradición anual que reúne a los fans del medio en las tiendas de su localidad para celebrar la industria. Kyle decidió hacer algo que rescatara parte del espíritu de la fiesta de leer cómics nuevos y gratuitos, y así nació Karate Prom.

Reckless, de Ed Brubaker y Sean Phillips

Desde hace muchos años Ed Brubaker se convirtió en uno de mis escritores de cómic favoritos, y cuando alguien me pregunta siempre les digo que todo lo que hace va de muy bueno hacia arriba. Uno de sus colaboradores más frecuentes es el artista británico Sean Phillips. Juntos han creado obras maestras como Sleeper, Criminal, Fatale, The Fade Out, Kill or Be Killed y Pulp.

Justo el éxito de Pulp, novela gráfica publicada en 2020 que apareció directamente en un tomo de pasta dura, olvidándose del formato habitual de cómics "de grapa" con la historia serializada, y el cual siguió a un par de tomos similares ubicados dentro del mundo de Criminal, fue un factor determinante para que el aclamado duo creativo decidiera que su siguiente proyecto sería una serie de novelas gráficas originales. Así nació Reckless, donde Jacob Phillips, el hijo de Sean, colabora una vez más con ellos en el rol de colorista. Esta primera novela de la serie apareció a mediados de diciembre pasado, y se estima que al menos dos volúmenes más serán publicados a lo largo de este año.