Tale of Sand, de Jim Henson, Jerry Juhl y Ramon K. Perez

Al hablar de Jim Henson invariablemente uno piensa en los Muppets, pero el talentoso escritor, productor, director y titiritero hizo mucho más que crear a las marionetas más famosas del mundo, y su creatividad ha sido inmortalizada en series de TV como Jim Henson's The Storyteller o películas como Labyrinth (Laberinto) y The Dark Crystal (El Cristal Encantado).

Lo que es probable que muchos no sepan es que antes de volverse famoso gracias a su trabajo en televisión, Henson deseaba ser cineasta. Dirigió varios cortometrajes, y Time Piece (1965), nominado al Oscar en 1966, es una muestra de lo que pudo haber sido en caso de que su carrera hubiera seguido ese camino. Si gustan, pueden ver el cortometraje completo en YouTube.

Henson comenzó a trabajar con marionetas a finales de los años 50, cuando todavía estaba en la universidad, y a lo largo de las décadas siguientes combinó su trabajo en TV con proyectos experimentales, incluyendo los cortos mencionados.

En 1970 inició su colaboración en la serie educativa infantil Sesame Street (Plaza Sésamo) y sus apariciones en TV se volvieron más frecuentes. En 1974, junto a Jerry Juhl, escritor con quien trabajaba desde 1961, comenzó a escribir el guion para un largometraje, pero cuando se dio la oportunidad de desarrollar The Muppets Show abandonaron el proyecto.

Hace unos años, The Jim Henson Company inició una relación de trabajo con Archaia Press, sello independiente especializado en cómics dirigidos al público infantil. Con ellos produjeron un par de exitosas antologías inspiradas en material de The Storyteller y Fraggle Rock, además de una exitosa serie de The Muppets publicada por BOOM! Entertainment, editorial con la que se fusionó Archaia. Al analizar posibilidades para nuevos proyectos en conjunto, dieron con el guion de A Tale of Sand, el abortado largometraje, y decidieron convertirlo en una novela gráfica.

El elegido para hacerse cargo de la adaptación fue el artista canadiense Ramón K. Pérez, quien ha ganado notoriedad gracias a su trabajo en The Amazing Spider-Man: Learning to Crawl y otros títulos de Marvel Comics, pero fue por su trabajo en Tale of Sand que el talentoso artista capturó la atención de lectores y editores y recibió varias nominaciones a los Premios Eisner de 2012.

Tale of Sand cuenta la historia de Mac, un hombre común que llega a un pueblo en medio del desierto, donde es recibido como un héroe en medio de una gran celebración. No tiene idea de lo que ocurre, pero lo sacan de la fiesta para darle una guirnalda, las llaves de la ciudad, un mapa, y una mochila llena de provisiones. Es llevado hasta una línea de partida, pero sólo le dicen que debe llegar hasta Eagle Mountain y le garantizan al menos diez minutos de ventaja, pero no sabe qué o quién irá tras él.

Lo que sigue es una experiencia surrealista de tintes oníricos, misma que no siempre es fácil de interpretar. Eso no quiere decir que la historia no tenga sentido o sea incomprensible, pero sería bueno que la lean con la misma mente abierta con que ven una película de David Lynch o Terry Gilliam. Si eso no resulta muy claro me disculpo, pero no se me ocurre una mejor forma de describirlo, ya que es la clase de historia que hay que experimentar para poder entender.

El guion de Henson y Juhl es un trabajo íntimo, y se percibe el cuidado con que lo escribieron. La elección de Pérez para la adaptación fue un gran acierto, pues el talentoso ilustrador se las arregla para que funcione. Largas secuencias narrativas contadas de forma cinemática y casi sin diálogos no son algo sencillo, pero Perez hace que todas y cada una de ellas fluyan sin problema. Su trazo limpio y preciso hace que el lector se pierda en las páginas y siga fascinado lo que ocurre sin preocuparse porque tenga sentido.

El color, obra de Ian Herring con ayuda del mismo Perez, además de Jordie Bellaire y Kalman Andrasofszky,  ayuda a sentar el tono de la historia, creando la atmósfera ideal para cada momento, e incluso el rotulado de Deron Bennett juega un papel importante, pues además de incluir partes del guion en el diseño de algunas páginas, usa como herramienta narrativa una fuente diseñada con base en la escritura a mano del propio Henson.

Siempre he sido de la idea de que cualquier clase de trabajo creativo u obra de arte funciona como una conjunción entre lo que plasma el autor y lo que su audiencia interpreta, y no se me ocurre un ejemplo más claro de esta simbiosis interpretativa que Jim Henson’s A Tale of Sand. Absolutamente recomendada.

A Tale of Sand

Escritores: Jim Henson y Jerry Juhl

Artista: Ramón K. Pérez

Color: Ian Herring con Ramón K Pérez, Jordie Bellaire y Kalman Andrasofszky

Editor: Stephen Christy

Editorial: Archaia Press / BOOM! Entertainment

Fecha de publicación: 2011

Formato: Tomo en pasta dura de 156 páginas a color, con un tamaño de 21×30 cms.

Texto publicado originalmente en La Covacha Mx

I Kill Giants, de Joe Kelly y J.M. Ken Nimura

Barbara Thorson es una niña de 10 años con problemas para relacionarse tanto con su familia como con sus compañeros de escuela. En casa las riendas las lleva su hermana mayor, Karen, que parece rebasada entre su trabajo y tratar de cuidar a sus dos hermanos menores, así que no puede dar a Barbara la atención y el tiempo que necesita. En la escuela pasa más tiempo escondida detrás de un libro, que hablando con sus maestros o compañeros, lo que puede no ser tan malo, pues cada vez que interactúa con alguien, Barbara termina invariablemente en la oficina del director.

Lo más cercano a una actividad colectiva "normal" en su vida se da gracias a los amigos de Dave, su hermano, quienes suelen visitarlos en casa para celebrar una partida de Calabozos y Dragones, juego en el que ella parece tener un especial talento para conducir, pero incluso ahí es evidente que ella prefiere por mucho el mundo que hay dentro de su cabeza que aquel en el que vive.

Transmetropolitan, de Warren Ellis y Darick Robertson

Texto originalmente publicado en La Covacha Mx

sobre una versión previa publicada en Comicverso

El futuro cercano, fecha indeterminada. La Ciudad es un lugar enorme, y nadie está seguro de donde empieza o termina. En ella conviven, se mezclan, odian y segregan toda clase de grupos sociales, étnicos, religiosos, políticos y demás. Es un mundo distópico donde la supervivencia diaria es cuestión de saber a quién le importa. Es el mundo del que Spider Jerusalem intentó alejarse hace años y al que lo están obligando a regresar. Es un lugar que odia, pero lo necesita para trabajar, porque es un cínico periodista y escritor que, para su mala fortuna, jamás ha podido escribir lejos de la ciudad.

Spider tiene años viviendo en el exilio, lejos de La Ciudad y todo lo que ésta representa, cuando recibe una llamada de su antiguo editor, Mitchell Royce, quien le recuerda que tiene un contrato del que aún debe dos libros, por los cuales ya ha recibido (y gastado) un jugoso anticipo. Agotados todos los recursos para intentar zafarse de sus obligaciones contractuales, acepta regresar y Transmetropolitan es la crónica de su vida tras esa decisión.

De vuelta en La Ciudad, Spider se convierte en columnista para el diario The Word, donde Royce es el editor de la sección metropolitana. Spider tiene un humor corrosivo y es sumamente crítico en su visión de La Ciudad y la gente que vive en ella, lo que se convierte en el tema central de su columna, “I Hate It Here” (Odio este lugar).

La serie muestra poco a poco la vida en la ciudad, con énfasis en la sociedad y como ésta se ve afectada por su entorno. El arte es un elemento importante para que la serie funcione, pues es suficientemente realista como para permitir al lector identificarse con el entorno urbano y los personajes que habitan en él, pero lo bastante imaginativo como para crear un futuro plausible y creíble.

Quizá lo más importante para que la serie funcione es el desarrollo de personajes, que siempre son el centro de la historia, y la forma en que interactúan con el mundo en que viven. Conforme la serie progresa, incluye temas que, como toda buena historia de ciencia ficción, reflejan acontecimientos, situaciones y tendencias actuales de nuestro mundo, con la política tomando un papel muy importante dentro de la historia.

Religión, tecnología, moda y clases sociales son algunos de los temas explorados mientras nos familiarizamos con la vida en La Ciudad, y la serie pronto se convierte en una ominosa advertencia sobre la clase de mundo que probablemente nos espera.

Cabe apuntar que el personaje de Spider Jerusalem (cuyo nombre es un homenaje a Spider Robinson, respetado autor de ciencia ficción) está mayormente inspirado en el escritor y periodista Hunter S. Thompson, creador del periodismo gonzo y a quien tal vez algunos conozcan gracias a la película Fear and Loathing in Las Vegas, basada en el más famoso de sus libros, y donde fue interpretado por Johnny Depp.

Los creadores de Transmetropolitan son Warren Ellis y Darrick Robertson. La primera vez que leí a Ellis fue a mediados de los 90, cuando empezó a escribir Hellstorm: Prince of Lies. También en Marvel Comics escribió títulos como Excalibur, Doom 2099, Thor, Druid, Starjammers, y Ruins, donde su talento para crear personajes cínicos y antagónicos le fue ganando seguidores. En Wildstorm cambió el rumbo de Stormwatch, serie aclamada por la crítica aun antes de convertirla en The Authority un par de años después. Pero fue a partir de ahí que su carrera realmente despegó.

Cobijado por su creciente reputación, Ellis fue invitado en 1997 a participar en Helix, impreso de DC Comics especializado en ciencia ficción, y junto al talentoso Robertson creó Transmetropolitan. El sello tuvo una aceptación discreta pese a contar con creativos de renombre, y aunque todas las miniseries fueron completadas, tras poco más de un año se canceló la línea. Transmet fue la única serie que gozó de éxito tanto crítico como de ventas, así que fue transferida a Vertigo a partir del número 13.

Ellis es uno de mis autores favoritos, y pese a que disfruto mucho de su trabajo más reciente, tanto en cómics como en prosa, donde cuenta ya con dos exitosas novelas, me queda la idea de que su mayor impacto en la cultura pop contemporánea se dio justo al cambio de milenio, en las páginas de Transmetropolitan y en las de Planetary, pero ésta última será tema de un futuro comentario. Por lo pronto, baste con decir que Transmet me parece uno de los mejores cómics de ciencia ficción que se hayan producido jamás, y representa una de las mejores recomendaciones que puedo hacer.

TRANSMETROPOLITAN

Historia: Warren Ellis

Trazos: Darrick Robertson

Tintas: Rodney Ramos

Editorial: DC Comics/Helix – DC Comics/Vertigo

Formato: 60 números y 2 especiales, 32 páginas a color.

Colecciones: Diez tomos recopilatorios, y un tomo adicional con los dos especiales. Tres tomos formato Absolute con todo el material de la serie.

Fecha de publicación: 1997 – 2002

Operación Bolívar, de Edgar Clément

El autor e ilustrador Edgar Clément fue parte del legendario Taller del Perro, y mientras colaboraba en la mítica revista Gallito Comics creó la que a la fecha es considerada como la primera novela gráfica publicada en nuestro país: Operación Bolívar.

Leónidas Arcángel es un mexicano que se gana la vida de un modo inusual: es cazador de ángeles. Estos seres son muy apreciados por todo lo que se puede obtener de sus restos: cabellos, uñas, plumas y ojos tienen toda clase de aplicaciones industriales y "artísticas", mientras que lo más popular es el comercio de su carne, utilizada como alimento de propiedades energéticas realmente sobresalientes; de su sangre, que al mezclarse con maíz fermentado destila Chínguere, un potente aguardiente; y sus huesos, que una vez molidos y procesados son el elemento principal de la droga más potente y adictiva en existencia.

Leónidas es descendiente de un chamán, condición obligada para todos aquellos que se dedican al negocio de cazar ángeles. Aparentemente un ángel solo puede morir a manos de alguien que lleve en la sangre las cualidades de un chamán, así que no se trata de un negocio al que cualquiera pueda entrar, aunque eso nunca ha detenido al gobierno de los Estados Unidos. Juan grande, el más viejo de los cazadores de ángeles, es atacado y ambas manos le son cercenadas y robadas.

Asistido por Román, un policía judicial, descendiente de un shamán pero quien no cree en los ángeles y está convencido de que se trata de extraterrestres, Leónidas intenta averiguar quien pudo haber atacado al viejo angelero y por qué se llevó sus manos. Román es capturado y torturado pero consigue escapar, y los protagonistas se encuentran con una conspiración internacional que busca cambiar el balance de poder y el mercado de las drogas de forma definitiva, convirtiendo el polvo de ángel en un negocio masivo bajo la dirección y supervisión del ejército y autoridades estadounidenses, y con la total cooperación de las autoridades mexicanas y sudamericanas.

La historia está escrita en el más puro estilo de novela noir detectivesca y aderezada con toda clase de referencias que la identifican como un producto mexicano. La mezcla de mitos aztecas y judeo-cristianos le confiere además una identidad propia que puede ser una de las razones para que siga siendo un referente del cómic mexicano a casi veinte años de su concepción.

Existen dos grandes razones para apreciar Operación Bolívar. La primera de ellas es el trabajo visual de Clément. Dibujo, pintura y collage se mezclan de modo que, a primera vista, parece caprichoso, pero una vez que uno se sumerge en la historia es claro que todo forma parte de una idea muy clara del autor. La segunda es la riqueza de ideas detrás de la historia. Los elementos de mitologías tan diferentes como la mexica y la judeo-cristiana ofrece muchas posibilidades de exploración narrativa, que se multiplican al sumar elementos de intriga socio-política. Tan rico es el mundo creado por Clément que lo ha revisitado a lo largo de los años en otros proyectos, como Kerubim, Los Perros Salvajes y, más recientemente, Angeleros.

La historia está dividida en dos partes. La primera expone el conflicto y la mayor parte de los principios mitológicos de este mundo, la segunda se carga marcadamente hacia la parte política y social, y reparte sus páginas entre una crítica a las clases políticas mexicana y estadounidense, y la resolución del conflicto planteado en la primera parte. El resultado es una obra interesante pero desbalanceada, brillante por momentos, pero apresurada en otros. Diera la impresión de que el autor se enganchó con sus propios argumentos políticos y por momentos se dejó llevar en la persecución de ese discurso y olvidándose del aspecto narrativo de su obra.

Pero incluso esa necedad de plasmar su voz me parece digna de elogiarse. La mayoría de las creaciones artísticas a lo largo de la historia tienen algo del entorno en que fueron creadas, y los cómics, al menos cuando se trata de obras de autor, nunca han sido la excepción. Operación Bolívar dista de ser una novela gráfica perfecta, pero no pretende serlo. Se trata de una obra con muchos méritos artísticos y narrativos, pero también de un vehículo de expresión para un autor que nunca se ha callado nada y siempre ha tenido una voz distintiva y honesta.

Hay quienes la consideran una obra pretenciosa y plagada de grilla política, pero eso depende de la percepción e ideología de cada lector. Lo único cierto es que se trata de un proyecto ambicioso que, a más de veinte años de su publicación, sigue dando de que hablar, y sin duda se trata de una obra que vale la pena leer y analizar.

Conseguirla en formato impreso ha sido una odisea desde siempre, pues la versión más difundida y común sigue siendo la de Editorial Caligrama, en un formato al que el propio autor se refiere como "Capulinita", pues no permite apreciar el trabajo gráfico de Clément de la mejor manera debido al reducido tamaño de las páginas y pobre calidad de impresión. Hace un par de años apareció una edición de manos de su autor, pero la calidad de la impresión también dejó mucho que desear, y recientemente se ha vuelto a agotar.

Por fortuna, el autor ofrece un PDF descargable de forma gratuita y legal, creado a partir de la edición de 1999, probablemente la mejor que ha tenido hasta ahora. También pueden leerlo gratis en Issuu o en Scribd. Encontré además una versión, no precisamente legal, pero que el autor ha indicado que no encuentra inapropiada, en formato CBR, misma que pueden descargar desde MediaFire.

OPERACIÓN BOLIVAR 

Historia y Arte: Edgar Clément

Serializada en la revista Gallito Comics, 1993-1994

TPB, dos tomos, Editorial Planeta, 80 pags. cada uno, tamaño carta, b/n, 1995

TPB, Ediciones del Cástor, 160 pags, formato europeo, b/n, 1999

TPB, Caligrama Editores, 164 pags, formato de bolsillo, b/n, 2006

TPB, Producciones Balazo/Animal Gráfico, 160 pags, tamaño carta, b/n, 2013

Texto originalmente publicado en La Covacha Mx

H3rmanos, de H.G. Santarriaga

Durante Festo 2014, celebrado en noviembre pasado en el marco de la Feria internacional del Libro Infantil y Juvenil, en el Centro Nacional de las Artes de la ciudad de México, H.G. Santarriaga presentó una de las propuestas más atractivas e interesantes de entre la producción nacional del año pasado. Se trata de H3rmanos, una novela gráfica original de corte cyberpunk en la que el autor narra un peculiar encuentro familiar.

La historia transcurre en la ciudad de México, en un futuro indeterminado pero no muy lejano. Emiliano Salazar es un adolescente que, como la mayoría de los jóvenes de su edad, pasa demasiado tiempo conectado al mundo virtual de la NeuroRed, donde cree haber encontrado el amor, aunque pronto descubre que las relaciones virtuales no se trasladan fácilmente al mundo real. Su decepción amorosa se ve empeorada al recibir una golpiza a manos del ex-novio de la chica que le interesa, quien es miembro de una peligrosa banda de traficantes de drogas.

Dolido tanto física como emocionalmente, Emiliano no tiene tiempo ni de sentirse miserable, pues tiene que lidiar con la sorpresiva aparición de Santiago, su hermano mayor a quien no ha visto en diez años. El reencuentro es agridulce, no sólo por la larga ausencia de Santiago, sino también por la brecha generacional entre ambos, pues hay quince años de diferencia en edades. Esto no impide que el hijo pródigo se sienta preocupado por su hermano menor, y decida pasar el día con él, aún si esto implica ponerlo en medio de una peligrosa aventura.

Santiago es un rebelde revolucionario, considerado una leyenda por sus acciones en el pasado, y la razón por la que volvió a la ciudad es porque está en posesión del H3, un enigmático componente cibernético que muchos piensan puede cambiar para siempre el funcionamiento y futuro de la NeuroRed, y desea evitar a toda costa que caiga en las manos equivocadas. Los furtivos encuentros con contrabandistas y contactos se convierten en el inusual marco para que los dos hermanos retomen su relación fraternal mientras Santiago intenta orientar a Emiliano con la esperanza de facilitarle el complicado proceso de convertirse en adulto.

El autor se enfoca en contar la historia del reencuentro, desarrollando a los personajes y la relación que tienen a partir de sus diálogos, al tiempo que los rodea de un complejo e interesante mundo donde las limitaciones de vivir en una ciudad sobrepoblada, la permanente problemática del narcotráfico y un omnipresente terrorismo cibernético están a la orden del día. Casi podría decirse que los elementos de cyberpunk y ciencia ficción son secundarios, pero el balance está tan bien logrado que ese, afortunadamente, no es el caso. Aún así, la historia está contada de tal manera que incluso un lector sin gusto o afinidad por esos géneros puede disfrutarla sin ningún problema.

Quisiera hacer énfasis en la parte gráfica de la historia, pues Héctor es uno de los autores mexicanos con un estilo más distintivo, y aunque puede que a algunos lectores les cueste un poco de trabajo acostumbrarse a su peculiar trazo, una vez que rebasen esa barrera temporal se encontrarán con un artista seguro de su voz y con gran oficio para contar una historia con base en imágenes. Claro que no todo es perfecto y hay un par de ocasiones en que las viñetas se tornan confusas, pero en términos generales la historia constituye un gran ejercicio narrativo por parte del autor.

Otro detalle que separa a H3rmanos de otras historias es la inclusión de un soundtrack, pues a lo largo de la novela nos encontramos con citas de letras de diversas canciones, con artistas que van de Elvis a Nirvana, pasando por Los Bravos o los Pixies, entre varios otros, las cuales ayudan a sentar de mejor manera el tono de la historia. De hecho, las canciones mencionadas forman parte de un playlist que pueden encontrar en YouTube, si es que quieren tener la experiencia multimedia de escucharlas mientras leen.

Al tratarse de una publicación independiente (Nostromo es un sello cocreado por Héctor y su socio y amigo, Valerio Vega), no cuenta con una distribución masiva, y aunque se encuentra disponible en un creciente número de tiendas especializadas, resulta más fácil adquirirla directamente con su autor, a quien pueden contactar a través de redes sociales, o por correo electrónico (enlaces al pie de este texto). Si todavía les quedan dudas de que esperar de H3rmanos, pueden checar un previo de nueve páginas que encontrarán en la página web oficial de su creador.

Les recomiendo que le echen un vistazo. Estoy seguro que no se arrepentirán.

H3RMANOS

Historia y Arte: Héctor Germán Santarriaga.

Formato: Novela gráfica original, 17x22 cm, 64 páginas, blanco y negro.

Nostromo Ediciones, 2014.

Información de contacto

Sitio web: http://hgsantarriaga.com

Correo: hector.german@gmail.com

Twitter: @hgsantarriaga

Facebook: https://www.facebook.com/hgsantarriaga

Texto originalmente publicado en La Covacha Mx

The Adventures of Aero-Girl, de Feenstra y Eneas

A veces parece que los cómics se han convertido en un medio donde la lectura dirigida a público de todas las edades ya no tiene cabida. Los títulos a los que nos referimos como "infantiles" son cada vez más escasos, y los nuevos intentos suelen durar apenas un puñado de números, aun cuando los involucrados son reconocidos creativos de gran trayectoria.

Por eso me parece importante que siga habiendo autores interesados en explorar cómics de temática más ligera, capaces de atrapar la imaginación de niños de todas las edades, como es el caso de The Adventures de Aero-Girl, de DeWayne Feenstra y Axur Eneas.

Jacqueline Mackenzie es una adolescente hasta cierto punto común, pero también como ninguna otra. Estrella de su equipo escolar de gimnasia, secretamente también es Aero-Girl, hija y compañera de aventuras de Battle Jack, el héroe defensor de la ciudad de Fox Bay. 

Battle Jack cuenta con el poder del Espíritu de Batalla para ayudarlo en su lucha contra el crimen, y recientemente ha empezado el entrenamiento de su hija, quien pelea a su lado apoyada en inventos tecnológicos especialmente diseñados para ella. Sin embargo, las cosas no siempre salen como uno desearía, y pronto ocurrirá algo que obligará a Jacqueline a darse cuenta de que pelear contra el crimen es mucho más que un juego.

El guion de Feenstra es un ejemplo de lo que debe ser un primer número. Sin ser expositivo nos presenta a los personajes principales, su ciudad, sus poderes y el origen de estos, a un grupo de villanos, y a un par de personajes de apoyo, y todo enmarcado por secuencias de acción bien logradas.

El arte de Axur es el complemento ideal para la historia. De apariencia simple y estilo caricaturesco, su atención al detalle y eficiente narrativa hacen que sea un deleite seguir la historia. La brillante paleta de color le sienta de maravilla al estilo, pues le da una apariencia clara y nítida que pareciera estar esperando convertirse en animación.

Como suele ser el caso tratándose de proyectos independientes, el mayor problema que enfrentan es la oscuridad. El primer número se financió en el verano de 2013 con un modesta campaña de Kickstarter. Cumplida la entrega de recompensas, sus autores buscaron hallar un nuevo hogar para este cómic, y finalmente lo encontraron en Action Lab. El primer número estará a la venta en el mes de mayo, y pueden todavía solicitar que sea incluido a su suscripción en su tienda favorita.

The Adventures of Aero-Girl es una entretenida lectura para público de todas las edades, por lo que probablemente la única dificultad que tendrá en formarse una audiencia será buscando convencer a la gente de darle una oportunidad.

Texto originalmente publicado en La Covacha Mx

47 Ronin, de Mike Richardson y Stan Sakai

47 Ronin, una novela gráfica escrita por Mike Richardson y dibujada por Stan Sakai, la cual fue publicada a través de Dark Horse Comics en 2014 tras haber sido serializada el año anterior, cuenta una historia basada en hechos de la vida real.

A inicios del siglo XVIII, en Japón, el señor feudal Lord Asano fue injustamente ejecutado por órdenes de la corte del Shogun luego de participar en un altercado con un corrupto oficial de la misma corte. Cuarenta y siete guerreros samurai que estaban a su servicio vengaron su muerte, cumpliendo así un último acto de honor en memoria de su señor.

Ronin (literalmente hombre errante o que vaga como las olas del mar), es el nombre con que se designaba a un samurai sin amo durante el periodo feudal de Japón (siglos XII al XIX). El código de honor de estos guerreros, conocido como bushido, los considera una aberración, pues si un samurai cumpliese cabalmente con sus obligaciones, sería impensable que pudiera quedar sin amo.

Estos guerreros vagabundos suelen ser protagonistas de muchas historias de ficción, pues el bushido los conmina a tomar una de dos acciones una vez que se convierten en ronin: deben cometer seppuku (suicidio ritual), o dedicar el resto de su vida a realizar las acciones necesarias para restablecer su honor, lo que ofrece muchas posibilidades dramáticas para explotar en cualquier medio narrativo.

Esta historia en particular sigue a cuarenta y siete hombres que optaron por la segunda opción, sabiendo que el resultado final sería muy similar. La historia de los 47 ronin ha capturado la imaginación del público japonés casi desde su origen, y se ha perpetuado a través de versiones ficcionalizadas (a fin de evitar la censura, claro) tanto para teatro kabuki como de marionetas. Ha sido llevada al cine en cinco ocasiones, la primera de ellas, a mi juicio la mejor, en 1941, y la más reciente en 2013, en una producción estadounidense estelarizada por Keanu Reeves y de la cual lo mejor es no decir más.

Para muchos puede parecer un atrevimiento de Mike Richardson contar una historia tan cercana al pueblo japonés, pero el fundador y dueño de Dark Horse Comics lo hace con gran respeto por la cultura y tradiciones de aquel país. De hecho, cuando empezó a trabajar en este proyecto en 2008, reclutó la ayuda de su amigo Kazuo Koike, escritor y cocreador de Lone Wolf and Cub, un legendario manga de samurai que merece un comentario aparte. Koike se encargó de revisar el proyecto, haciendo correcciones y anotaciones donde fue necesario, y prácticamente fue el editor del mismo.

Del lado visual, Richardson eligió como colaborador a Stan Sakai, mayormente conocido en el mundo del cómic como el creador de Usagi Yojimbo. Reclutarlo como artista fue la mejor decisión que Richardson pudo tomar, pues el artista estadounidense de ascendencia japonesa ha dedicado 30 años de su vida a contar historias de samurai, y está familiarizado tanto con la cultura y costumbres como con la ropa y objetos de la época, mismos que resultan esenciales para que la historia funcione.

Muchos lectores de cómic consideran a Sakai, erróneamente, como un dibujante de historias “de animalitos”, cuando en realidad se trata de uno de los mejores narradores gráficos que el medio haya conocido jamás. Su talento narrativo y limpieza visual permiten que la lectura de cualquiera de sus obras sea fácil y amena, de forma tan clara que no hace falta incluir textos que expliquen lo que ocurre en cada página. 47 Ronin es un excelente ejemplo de su economía narrativa, y con un poco de suerte puede servir para otros empiecen a apreciar su trabajo de la forma que merece.

Otro detalle digno de mencionar es que, a diferencia de Usagi Yojimbo, donde podemos apreciar el arte de Sakai en blanco y negro (salvo por las portadas, coloreadas y en ocasiones pintadas por él mismo), aquí su trabajo es complementado por los colores de Lovern Kindzierski, veterano y talentoso escritor y artista que ayuda a enriquecer la atmósfera de esta historia.

El relato es considerado tan representativo de la cultura y tradiciones japonesas que incluso hay un dicho popular que afirma que "conocer 47 Ronin es conocer Japón". No tengo idea que tan cierto sea, pero estoy seguro de que se trata de una las mejores historias de samurai que pueden encontrar en cualquier medio. Sin duda la versión de Richardson y Sakai de 47 Ronin es un cómic bien realizado y se convierte en una recomendación prácticamente obligada.

Además, la edición de pasta dura no tiene desperdicio, desde el excelente diseño y presentación (ligeramente más pequeña que un cómic estándar) hasta la selección de papel y contenidos complementarios. Si son aficionados a las historias de samurai, no se la pueden perder. Y si se trata de un género de ficción que jamás les haya llamado la atención o al que nunca hayan sabido cómo acercarse, ésta podría ser la introducción ideal para descubrir lo que se han estado perdiendo.

Texto originalmente publicado en La Covacha Mx

Nómadas del Yermo, de Raúl Treviño

Nómadas del Yermo vol.1 - Raúl Treviño

Nómadas del Yermo

Historia, y arte: Raúl Treviño

Publicado por Fixión Narradores.

Formato: Webcomic blanco y negro, publicado entre enero de 2010 y marzo de 2013.

Versión impresa: Volumen 1 (de 3), pasta blanda, 128 páginas en blanco y negro, 23x15 cm.

Sitios web oficiales:

coolchickens.com (inglés 

polloschidos.com (español).

Raúl Treviño es un artista mexicano oriundo de Monterrey, Nuevo León, con más de diez años de experiencia en el medio del cómic.

Niebla, de Ramón Espinoza

Niebla, Libro 1 - Ramón Espinoza

Niebla

Historia, y arte: Ramón Espinoza

Publicado por Corteza Editorial.

Formato: Webcomic a color, actualizado semanalmente.

Versiones impresas: Cómic a color, edición limitada, formato estándar americano. Cómic a color, tamaño media carta. Libro 1, pasta dura, 72 páginas a color, tamaño album europeo.

Sitios web oficiales:

NieblaComic.com  CortezaEditorial.com

Parece que de un tiempo a la fecha algunas de las ideas más interesantes en el comic independiente en México tienen su origen en la web, y ése es también el caso de Niebla, cómic creado y realizado por Ramón Espinoza que vio la luz como webcomic hace casi dos años.

Turbo Desafiante, de Dono Sánchez Almara

Turbo Desafiante vol. 1 - Dono Sánchez Almara

Turbo Desafiante

Historia, Arte y Color: Dono Sánchez Almara

Formato: webcomic a color, con animación en flash o html, con actualizaciones semi-regulares

Versión impresa: Vol. 1, tomo extra-grande. Pasta dura 60 páginas a color

Web: www.turbodesafiante.com

Una opción muy atractiva para creadores independientes que desean publicar sus propios cómics es la red, y en el caso particular de México no sorprende que algunos de los proyectos más interesantes sean también los más constantes, haciendo uso de las herramientas electrónicas para difundir su material. La constancia suele ser recompensada con lectores regulares, así que cuando estos creadores deciden que es tiempo de ver su trabajo en una versión impresa, tienen la ventaja de que ya no se trata de un salto al vacío, pues al menos saben que existe una audiencia para su historia.

ClanDestine, de Alan Davis con Mark Farmer

Alan Davis es uno de los dibujantes y escritores más queridos y respetados del medio comiquero. Su trabajo en Captain Britain, Excalibur, Uncanny X-Men o JLA: The Nail es considerado como un ejemplo de lo que debe ser un cómic de superhéroes. A mediados de los 1990 recibió una oportunidad inusual, cuando Marvel le ofreció control absoluto de una serie creada y realizada por él, pero asentada en el Universo Marvel. Su nombre, ClanDestine, juego de palabras que también funciona en español: Clan Destino, en referencia a un grupo con lazos familiares y de apellido Destine, y clandestino, que quiere decir secreto o que opera en las sombras.