Die, de Kieron Gillen y Stephanie Hans

En unos cuantos años Kieron Gillen se ha convertido en uno de mis escritores de cómics favoritos. Hace años escribí un poco sobre su carrera cuando visitó por primera vez la ciudad de México, y he comentado varios cómics suyos: Peter Canon Thunderbolt, Once and Future, Ludocrats y The Wicked + The Divine, además de que traduje y compartí algunos consejos suyos sobre cómo convertir una idea en un guion de cómic.

Además de lo que actualmente escribe para Marvel Comics (Warhammer 40,000 y Eternals), tiene dos series propias en marcha, ambas dentro del género de fantasía pero con tintes oscuros: la ya mencionada Once and Future, donde colabora con Dan Mora y Tamra Bonvillain, y Die, en la que hace equipo con la talentosa artista francesa Stephanie Hans, con quien ya había trabajado en números sueltos de Journey Into Mystery y The Wicked + The Divine. Y el cómic que quiero comentar ahora es el primer volumen de Die, serie próxima a publicarse a través de Panini Comics México.

Sweet Tooth, de Jeff Lemire con José Villarrubia

Durante los últimos diez años el papel de los cómics como fuente de historias para medios más populares, como el cine o la TV, ha crecido de forma asombrosa, y por fortuna a la gente a cargo de elegir propiedades no les tomó mucho darse cuenta de que la narrativa gráfica eran mucho más que sólo superhéroes. Ahora estamos a un par de días del estreno en Netflix de Sweet Tooth, serie basada en el cómic del mismo nombre de Jeff Lemire, y ése es un excelente pretexto para revisitar esta obra del talentoso escritor y artista canadiense.

Sweet Tooth es un cómic de ciencia ficción postapocalíptica creado por Lemire y publicado bajo el sello Vertigo de DC Comics. Al partir la serie, el compromiso entre autor y editorial fue de 12 números, y a partir de ahí todo dependía de la recepción y ventas. Su éxito fue inmediato y estuvo nominada al Eisner como mejor nueva serie. En aquel entonces Lemire comentó que pensaba en una historia de unos treinta números, pero al final duró cuarenta y concluyó en 2012. Él mismo escribió y dibujó la mayor parte de la serie, aunque contó con aportes de Matt Kindt y Nate Powell, todos coloreados por José Villarrubia.

Death or Glory, de Rick Remender y Bengal

Rick Remender se hizo de nombre por su trabajo para Marvel Comics en series tan exitosas como Agent Venom, Captain America y Uncanny X-Force, y aunque ya había hecho algunos cómics propios, como Fear Agent o The Last Days of American Crime, fue hasta la década pasada que se volcó al cómic de autor sin volver atrás, y produciendo cómics tan buenos como Black Science, Low, Deadly Class, Tokyo Ghost y Seven to Eternity. Su éxito ha sido tal que ya tuvimos una efímera serie de TV de Deadly Class y una mala adaptación de The Last Days of American Crime. Pero uno de sus cómics menos conocidos es Death or Glory.

Para esta serie Remender hizo equipo con el talentoso artista francés Bengal, conocido por sus portadas variantes y quien había realizado algunos números sueltos para varios títulos de Marvel Comics, pero Death or Glory representa la primera muestra de su talento que podemos apreciar de este lado del Atlántico en un formato más extenso. La serie debutó con un arco de cinco números publicados entre mayo y septiembre de 2018, y tras una pausa de poco más de un año volvió a finales de 2019 y concluyó en julio de 2020 luego de una interrupción adicional producto de la pandemia y el paro de Diamond.

Marvels, de Kurt Busiek y Alex Ross

Hoy día Kurt Busiek y Alex Ross son grandes estrellas del cómic y gozan de fama y reconocimiento alrededor del mundo, pero en 1994 ése no era el caso.

Busiek llevaba varios años escribiendo para Marvel Comics, y aunque su trabajo era bastante sólido, nada de lo hecho hasta entonces había gozado de éxito significativo. Por su parte, Ross empezaba a abrirse paso en una industria en que los pintores eran considerados sólo como artistas de portada u opciones para el ocasional tomo de lujo, sobre todo por el tiempo requerido para completar un cómic con interiores totalmente pintados.

La historia sigue a Phil Sheldon, un fotógrafo que a fines de los años 30 intenta abrirse paso en el competitivo mundo del periodismo en la ciudad de Nueva York, y tiene la suerte de estar presente en el evento en que el Profesor Phineas Horton presentó al mundo a Jim Hammond, el androide conocido como Human Torch, la antorcha humana original. A partir de ahí la carrera y la vida de Phil se ven ligadas de una u otra forma a las "maravillas" (Marvels, en inglés), como él llama a todos los seres especiales que a lo largo de las décadas aparecen por el mundo, pero en particular en la ciudad de Nueva York.

JLA: The Nail, de Alan Davis con Mark Farmer

Siempre he creido que la capacidad de los cómics de superhéroes para ofrecer historias originales se ve limitada por la continuidad. Algunos personajes tienen hasta ochenta años de un canon que no siempre puede ajustarse, y ése es uno de los grandes atractivos de leer historias alternas. Marvel ha tenido varias versiones de What If...? y DC Comics tuvo el sello Elseworlds, que ofrecían a los autores la libertad de explorar otras versiones de los héroes e historias favoritos de todos.

El cómic que quiero recomendar en esta ocasión es JLA: The Nail, publicado en 1998 bajo el sello Elseworlds, y obra de Alan Davis y Mark Farmer. Davis es un dibujante inglés más conocido por su trabajo en Excalibur y Detective Comics, y Mark Farmer es el entintador con quien más se le identifica. Davis es también un escritor bastante capaz, y a partir de los 1990 era bastante común que él mismo se encargara de realizar los argumentos de las historias que dibujaba.

En el caso de JLA: The Nail, el autor usó un proverbio popular como base para construir una historia de un mundo alterno para los héroes más poderosos de DC.

Last of the Independents, de Fraction y Dwyer

Hoy Matt Fraction es uno de los escritores más reconocidos en el medio del cómic estadounidense gracias a su trabajo en cómics como Sex Criminals, Casanova, Hawkeye o Superman's Pal Jimmy Olsen, pero en 2003 era un nombre todavía era casi desconocido en el medio, pero eso empezó a cambiar cuando su colaboración con Kieron Dwyer en Last of the Independents empezó a llamar la atención, y la reedición de esa novela gráfica hace apenas unos meses bajo el sello Image es pretexto suficiente como para dedicarle este espacio.

En aquel entonces lo primero que llamaba la atención de esta novela gráfica fue el formato en que se publicó, de forma horizontal o apaisada, y para aplacar los reclamos sobre lo complicado de guardarlo en un librero, AiT/Planetlar, editorial a cargo de la publicación, incluyó una funda de papel satinado que permitía guardarlo de forma vertical como cualquier otro tomo de cómics. Otro detalle peculiar era que, más que blanco y negro, el cómic se publicó en sepia, algo bastante inusual en el cómic americano.

The Private Eye, de Brian K. Vaughan y Marcos Martín

Un tema bastante común al hablar de cómics independientes es el de la distribución, y muchos autores han volteado al internet y la distribución digital como una alternativa viable, pero esa suele ser una ruta más usada por novatos en busca de entrar a la industria del cómic y tratar de establecer su nombre que como una opción para todos, y tal vez eso fue lo que más llamó la atención en 2013 cuando Brian K. Vaughan (Saga, Paper Girls) y Marcos Martin (Amazing Spider-Man, Daredevil) anunciaron el lanzamiento de Panel Syndicate como una nueva plataforma para distribuir cómics digitales, con The Private Eye, creación de ambos, como su primer título.

¿Un par de autores reconocidos entre los mejores en el medio poniendo su trabajo al alcance del público, incluso gratis? Por supuesto que era atractivo. Si no conocen Panel Syndicate, aun es buen tiempo para echarle un vistazo. Ahí encontrarán cómics de altísima calidad por autores de primer nivel. Todos sus títulos están en el esquema "paga lo que quieras", con archivos descargables en varios formatos, sin tecnologías DRM o restricción alguna, e incluso pueden ser gratis si no se pueden permitir pagar por ellos, aunque les sugiero pagar aunque sea un poco, pues el dinero va directo a los autores. Todos los títulos están disponibles en inglés, español, portugués y catalán. Aquí el enlace a The Private Eye.

The Flintstones, de Mark Russell y Steve Pugh

Pocos personajes de dibujos animados están tan arraigados en la cultura popular como las creaciones de Hanna-Barbera, que han acompañado a niños de todas las edades por varias generaciones. Por eso, cuando en 2016 DC anunció planes para actualizar algunos conceptos en una nueva línea de cómics, la noticia fue mayormente recibida con escepticismo. Pero para sorpresa de muchos, el resultado fue mejor de lo esperado, y en el caso particular de The Flinstones (Los Picapiedra) se trató de un cómic relevante y de actualidad.

La idea detrás de la línea, denominada como el Hanna-Barbera Universe, era dar una inyección de frescura a las aventuras de estos personajes, conservando la esencia y espíritu de las clásicas animaciones pero explorando toda clase de conceptos modernos y temas de actualidad. Y tal vez fue la naturaleza misma de The Flinstones, serie creada en 1960 que se mantuvo en el aire por seis años, ayudó a que se convirtiera en el perfecto ejemplo de lo que la línea podía llegar a ser en las manos correctas.

The Wicked + The Divine, de Gillen y McKelvie

Debido a la naturaleza casi industrial del cómic estadounidense, es extraño toparse con proyectos de largo alcance en que la obra completa haya sido realizada por un solo equipo creativo. Ni siquiera el fuerte impulso que el cómic de autor ha tenido en las últimas dos décadas ha alterado esa tendencia, pues no es raro ver a otros artistas tomar la estafeta de aquel que inició un proyecto. Supongo que la idea de comprometerse por varios años a una sola historia no es muy atractiva para algunos, y ésa es otra característica que hace de The Wicked + The Divine un cómic inusual.

Creación de Kieron Gillen y Jamie McKelvie junto con el talentoso colorista Matt Wilson, esta serie de fantasía contemporánea fue una colaboración de cinco años de un equipo creativo que había pasado un año entero trabajando en una serie de superhéroes (Young Avengers, para Marvel) como work for hire, lo que indica el nivel de comodidad y confianza existente entre ellos como para haber decidido que era un buen momento para sumergirse en un proyecto mucho más largo, aunque también puede que haya sido el momento ideal, pues tenían una audiencia cautiva que podría interesarse en lo que estaban preparando.

Sara, de Garth Ennis y Steve Epting

Para la mayoría de lectores de cómics, el nombre de Garth Ennis suele ser asociado con títulos como Hellblazer, Punisher, Preacher o, gracias a la exitosa serie de TV de Amazon Prime Video, The Boys. Pero existe un género narrativo en que, al menos en el presente, puede tratarse del mejor exponente: el bélico. Es decir, historias de guerra. Y Sara (TKO Studios, 2018) es un excelente ejemplo.

La historia transcurre en 1942 en los bosques helados de la Rusia ocupada por los nazis. Sara es la mejor tiradora en una unidad femenina de snipers que recorren el frente en busca de blancos alemanes de alto perfil. Carece de habilidades sociales, pero lo que le falta en tacto para lidiar con otros humanos le sobra en capacidad para inflingir bajas en el enemigo, y los nazis han decidido sacarla de la jugada.

Cuando el mejor francotirador alemán aparece en escena, la guerra se convertirá en un juego de gato y ratón entre dos unidades altamente entrenadas para pelear a distancia. ¿Quién de ellos logrará sorprender antes a su enemigo?

Hawkeye, de Matt Fraction y David Ajá

Es imposible negar el impacto que las películas del Universo Cinematográfico Marvel han tenido en la cultura popular alrededor del mundo, pero como lector de cómics lo que más me sorprende es la facilidad con que esas versiones cinematográficas han logrado que personajes que solían ser considerados como de segunda (Iron Man es un gran ejemplo) se convirtieran en íconos reconocidos por casi cualquier persona, y otro buen ejemplo es Hawkeye.

Clint Barton tiene una historia muy peculiar. Inició como un villano cuyo corazón no estaba en lo que hacía, por lo que decidió reformarse. Para su fortuna, el Capitán América creyó en él y le dio la oportunidad de convertirse en uno de los héroes más grandes del mundo como miembro de los Avengers. A lo largo de las décadas ha tenido gran cantidad de papeles, desde el compañero en que otros siempre pueden confiar hasta convertirse en líder o mentor de equipos alternos (West Coast Avengers, Great Lakes Avengers, Force Works, Thunderbolts, etc.), algo notable si consideramos que se trata de un humano común pero con un talento natural para usar un arco y flechas.